Sissi Learn To Rock

B级片(B-movie)一般是在低预算下拍出来，因为预算不足，所以品质不是很好。B级片通常没有大明星，但类型则是大家喜欢的，剧情常与牛仔、黑帮、恐怖题材有关。不少动作恐怖片是B级片，虽然它们不算名作，但是在流行娱乐文化里就像Kuso Game一样，B级片仍有其影响力。

B片其实很受影院的欢迎，尤其是在南方。这是因为那些大片在分帐上影院是亏的，片子卖得越好，电影公司提成越多，到最狠的卖座片可以留一成给影院。但是B片是一次付清的，一般成本是7万美元，电影公司赚1万，电影院想怎么放怎么放。南方的电影观众受教育程度普遍比较低，所以看Lubitsch的片子反而不如情节简单俗套的电影更爽。电影院会在周中放映单片，而把周六晚上完全送给B片。

B片的生产可以分成体系内和体系外的。

一般大片场都有B unit，由专人负责。Paramount是Sol C. Siegel，Warner是Brian Foy，MGM是Lucien Hubbard和Michael Fessier，Columbia是Irvin Briskin，Fox是Ben Stoloff和Sol Wurtzel。Wurtzel这个名字读着好像worse，所有有个笑话叫“from bad to Wurtzel”。可见B片之B。

片场的B unit的基本工作感觉比较像块抹布或者海绵，把那些overhead全吸走。一般B片的B可以从员工，故事，成本，周期等来看。演员一般要么是过气的，要么就是没名气的。比如Bela Lugosi，30年代就开始B了，可见他衰落的有多快。Wings里的男主角Richard Arlen，也是B片老手。新人就不用说了，无数明星都在B片干过，反正都是合同工嘛。导演，编剧也一样，Wyler, George Stevens，E Dmytryk, Fred Zinnemann, Jacques Tourneur, Jules Dassin，Mark Robson，Robert Wise，Anthony Mann。从这点说，片场有自己的一套培养人的体系。不过也不乏永远培养不出去的B片专业户。偶尔B片还有一个作用，就是教育一些脑子突然进水的人，比如Bogart就被罚过。

B片故事当然也是直接非常老套的公式化生产，片场比较常见的就是把自己的片子改改背景就上了。毕竟B片的准备时间只有一到两周。很多时候就是为了利用别的片子的场景，比如Magnificent Ambersons的房子就被用到了Cat People里。B片为了省钱，还大量利用片场现成的素材，有时候会刻意让角色的穿着去跟某些影片剩下来的素材匹配。拍摄周期就更短了，一般就是一个星期。毕竟经费少，利润空间也小，定死了的一万多，补拍两下就赔本了，很多时候就是拍到哪里算哪里。

独立制片的公司其实从成本，拍摄上都跟大片场类似，经费甚至更少。没有现成布景利用，常常就是一个场景用背投解决一切。30年代的小片场起起伏伏后，到40年代形成了三个主要的片场：Republic，Monograph，和PRC (producers releasing corporations)。像Edward G Ulmer就是在PRC。他说他们通常是一次想出几十个电影的名字，就把这一年要拍的片子定下了，然后在往名字里塞故事。比如他看了Billy Wilder的Double Indemnity，就想出了一个Single Indemnity，不过，片子拍完了后，还是把名字改了。Ulmer还利用John Ford的Hurrican拍摄后剩下的200颗棕榈树模型拍摄了一个大饭店的古巴版：Club Havana。比起大片场体系内的B片，Ulmer觉得独立制片的B片创作自由度更大，除了经费问题，他们从来没有遇到过其它对内容的控制。经费怎么影响呢？比如一个服务生的角色，如果没有对白，就是16块5，如果他说了一句thank you，就是25。为了省这8块5，编剧/导演就得设计点情况让角色比如嗓子坏了啥的，不能说话。

Monogragh的主要手法是拍系列片，他们有个牛制片，叫Scott Dunlap，此人特别能打头炮，一部片子卖好了，接着就粗制滥造一批同系列影片，靠着头一部的名声卖钱。Monogragh还有一个自己的准B unit，专拍B片中的B片，负责人是Sam Katzman，Bela Lugosi在系列里廉价重复自己。惊悚片是B片专长，Monograph的负责人是Kings三兄弟。

独立制片公司自己没有院线，他们利用州里的规定在附近影院找到稳定的放映渠道。后来做得比较大如Republic和Monograph也在大城市设自己的发行代理。不过大部分公司还是依靠本地的关系户。

后来Republich破产，PRC经过一系列购并后被UA买走，Monograph更名成Allied Artists，逐渐走大片路线，50年代后它既支持Roger Corman的低成本B片，也能投资Billy Wilder和William Wyler的影片。Godard的Breathless美国发行权就被Godard象征性的送给了Monograph。

传统意义上的B片生产在50年代初解体。曾经占全国人口7成的电影观众，从57年已经减到4000万，到70年代减到2000万。电视开始播出自己制作的系列惊悚片或者西部片，制作者往往就是老B片的制作者们。B片影人面临选择，他们中的一部分投诚进入了电视行业。

电视的生产非常接近B片。生产周期短，这让电视台首先想到了B片制作者。事实上，Republic标榜的5万美元成本电视也可以拿出来，只是电视台的制作周期更紧凑。资深B片导演如Lesley Selander，Joseph Kane，Lew Landers都很自然的进入电视生产，电视制作人对他们的评价是：unexciting but always reliable。到后来电视电影的出现实际上是彻底的将B片移植了过来。

另一部分B片制作者开始开发新的B片，包括William Castle和Sam Kazman组合，Albert Zugsmith（此君被大部分记住是因为他之前是Written in the Wind，Tarnished Angel，Touch of Evil等经典影片的制片）, Samuel 和 James Nicholson (两人在55年建立了AIP)，当然还有Roger Corman。尽管观众人数在下降，依然有很多潜在观众群大片场不愿意开发。比如汽车影院，这里的观众普遍是年轻人。新的B片主要针对teen america挖掘市场。科幻，恐怖，飞车，吸毒外加狂欢是常见主题。这时候的B片成本不超过10万美元，发行宣传费用大约相当。为了发片，各种耸人听闻的手段都用了，在观众座椅下接电极，穿着骷髅服在观众席间走，售卖意外心脏病保险……

1970年Roger Corman因为跟AIP在Gas-s-s-s的剪辑上吵翻，自己创立了New World，以exploitation movie著称，比如护士系列和女监系列。Corman也曾短暂开发过黑人系列，但是放弃了，因为觉得这10％的观众划不来。他的销售经理总结说，影片的成功有7成在片名和宣传。Big Bird Cage的宣传语是“Women so hot with desire they melt the chains that enslave them”，Fly Me是“See stewardesses battle kungfu killers”。

New World在拍摄上坚持着40年代B片的风格，比如Peter Bogdanovich的影片Targets，其实是因为Boris Karloff欠Corman一些工时，为了扯平弄出来的。而The Terror是因为影片The Raven比计划提前两天拍完，为了不浪费而拍出来的。Hollywood Boulevard则完全是个赌注，公关经理Jon Davison说他可以用公司以前拍过的最便宜的片子的三分之一的钱拍一部片子，结果，就出来这么一部Godzilla和Fly一起客串的片子。Roger Corman亲自指导编剧，给他们整个框架。Jonathan Kaplan说拍Night Call Nurses时，Corman跟他开了一个工作会议，会上Corman列出了详细的需要遵守的概要：要利用男性观众的性幻想；打斗和暴力要充足；要有两条故事线，一条偏喜剧，一条要反应偏左的自由派价值观。正面裸体必须腰部以上，背裸可以全身，绝对不能出现阴毛，片名要在影片里被利用上。

B级片的“名人”——
ed wood那样的电影狂人，他对于电影的执著和热爱，让人感动，也许他只是以个很烂很烂的导演，可是失败的人生和胜利的人生并无实质区别，人终归是要死的，wood在不断地拍电影的过程中获得了别人难以体会的快乐，这已经足够了。

  
ed wood   

   ed wood比较成功的影片：来自外太空的第9计划  

ed wood长期合作的演员班底        

在蒂姆伯顿的那个著名片子里，他在一个小酒吧里和奥逊威尔斯不期而遇，两个同样热爱电影的人都因为一样的困境而难以为继，那就是无法拍自己喜欢的东西，对自己的电影没有控制权。

喜欢电影的可能见过那套阿卡汀先生（Mr. Arkadin / confidential report），

 

奥逊威尔斯亲自出演神秘的富豪

 

 

著名导演彼得博格达诺维奇（peter bogdanovich）（纸月亮、最后一场电影，非常棒的导演，他竟然偶然在一堆废拷贝中发现了这个片子的相对完整的拷贝，并且依据自己对奥逊威尔斯的理解重新剪辑制作了这个片子，但是如他自己在访谈中所说，到底奥逊威尔斯自己想怎么剪这个片子，恐怕永远是个秘密了，看过三个版本之后，发现影片的关键部分，即片首那个人临死说出的那句话是如此的不同！如同玫瑰花蕾一样，是影史永远的秘密！！！）亲自作的整理工作。

peter

《最后一场电影》是一部很好的青春片，那天忘了说它，哪天补上，呵呵

最富盛名的代表作

现在观看这部影片的时候，我惊讶于在那个年代影片所表现出来的力量，我一直被一种神奇的魔力所牵引，如同着了魔一样的看完了这个电影，他的魔力让我看完之后久久不能自已，这部影片涉及的身份主题让人想起迪克的小说~~这才应该是电影的感觉，我觉得早期的很多电影艺术家，甚至包括曼雷、激浪派的先锋作品中都蕴含着这种说不清楚的神秘力量，使观众像是被催眠了一样，十分神奇。（现在电影所强调的娱乐功能，离此方向越来越远，这个和科技的发展无关）可难得的是，这个是一部好莱坞影片，我看完后深刻的检讨了自己以前对奥逊威尔斯的幼稚看法，将他重新放在了我心目中最神圣的位置上。可是在他拍完这个片子后，却完全丧失了剪辑权，因为电影公司的老板认为这个片子过于玄妙，没有市场，他们只想要一部希区柯克式的惊险悬疑片（当然，没有辱没希区柯克的意思，他和制片的斗争也一直没有停止过，只是比较委婉，而且有个好助手）。因此，另外派人对此片进行剪辑，并且强行将Mr. Arkadin改为confidential report（这样看起来更加像是个惊险动作片），威尔斯对此痛心不已，却又无能为力，蒂姆伯顿的ed wood中描述的大概就是这个时候的他，在片子中，艾德伍德和威尔斯聊了一个晚上，无论作品好坏，这是两个热爱电影的失意人之间的一个温暖彼此的夜晚~~

    说到这里，想到了B Movies，之所以喜欢这种影片是因为他们可以拍自己想拍的东西，哪怕是天马行空的想象，也可以把它拍出来，不必受制于他人，哪怕他很烂，所以想向喜欢B级片的朋友们推荐2个著名的制作出品B级片、低成本恐怖片、色情片的公司，出于个人的喜爱，我对这2个公司的作品都看过一些，如果你也对僵尸、弗兰克斯坦、吸血鬼、隐身人、畸形、打破禁忌的性、监禁、饲育、外星、病毒、怪物、巫教、仪式食人族、探险、深渊、地洞、突然消失、解刨、S&M等等有兴趣的话，你也可以留意一下，其中会有惊喜出现~~

首先是something weird video，官方站：http://www.somethingweird.com/

其位于美国西雅图和华盛顿，主要致力于一些exploitation film（探索类影片）的制作和发行，其中比较著名的制作人、导演有

Harry Novak, Doris Wishman, David F. Friedman and Herschell Gordon Lewis. 

Harry Novak

右边的是harry

被称为"the sexploitation king,"（色情片王），60~70年代，其主要制作发行的影片包括：

Kiss Me Quick! (1964)

The Secret Sex Lives of Romeo and Juliet (1969)

The Notorious Cleopatra (1970)

The Pigkeeper's Daughter (1972)

A Scream in the Streets (1973)

Please Don't Eat My Mother (1974)

Wham Bam Thank You Spaceman (1975)等等

Doris Wishman

doris

doris 年轻的时候，她也参与很多影片的演出

十分牛的女导演、编剧和制作人，2002年去世，查找资料将其生涯分为三部分：

1960-1964 Nudist period，此阶段主要围绕nudism（裸体主义），这些影片有力地挑战了当时的电检系统和道德观念，而且，她在这类影片中加入了滑稽和科幻因素，使之自成风格，并且和legendary burlesque queen Blaze Starr（传奇滑稽女皇）合作，制作了很多nudist film。

 滑稽色情女皇blaze starr！！！

          

    

这阶段主要影片如下：

Blaze Starr Goes Nudist (1962)

1961's Nude on the Moon

Hideout in the Sun (1960),

Diary of a Nudist (1961),

Gentlemen Prefer Nature Girls (1962),

Playgirls International (1963),

Behind the Nudist Curtain (1963), and The Prince and the Nature Girl (1964).

这其中很多当时天视都作过，喜欢的朋友可以去大的碟社翻一下，或者干脆，看看打折处理的有没有，呵呵，比较冷门，所以买的人不多，当成色情片的又觉得没什么看头~~ 

1965-1978 Sexploitation，这种类型我没有找到适当的翻译，据我观影经验通常是指美丽吸引人的金发女郎在男人社会中的抗争之类的片子，与女权主义在那个阶段的兴起有很大关系。

比较著名的就是Bad Girls Go to Hell (1965)，坏女孩下地狱这部片子。

其中基本涵盖了所谓Sexploitation这种风格的所有元素，影片描述一个年轻天真漂亮的女孩在家中险些被人强暴，在反抗过程中失手杀死对方，遂逃至纽约，结果刚刚逃离狼穴又入虎口，被很多不同的貌似善良的人侮辱的故事，其内容让人想起萨德侯爵的贞洁的厄运，具有强烈的反男性社会的女权主义色彩，充斥了对男性社会的控诉，但是影片拍得比较暧昧（我觉得），因而有很多男性观众也很喜欢~~在手法上梦和现实的交融很容易让人想起布努艾尔，多少有一些超现实的色彩吧，影片也是黑白的，比较好看~~其他此阶段的影片包括：

Sex Perils of Paulette (1965),

Another Day, Another Man (1966),

My Brother's Wife (1966),

A Taste of Her Flesh (1967),

Indecent Desires (1967), and Too Much Too Often!" (1968), all shot in black and white.

 

胸部三部曲  Chesty trilogy

是最受cult fans追捧的一个系列，由于60年代末电检制度的放松，wishman达到了她最有创意的阶段，制作了这

Keyholes Are for Peeping (1972), （有关窥淫癖的喜剧）

Deadly Weapons (1973) and

 Double Agent 73 (1974)三部电影，

并且请来了脱衣舞娘Chesty Morgan担任主演，

她拥有73-inch大的傲人身材~~在这三部曲中，最后一部是名义上的，前两者长期以来极受cult fans追捧，被奉为经典，由于她们的露营风格、荒谬的情节及低成本的美学~~

1975-1978 Hardcore period，硬色情片时代，在此期间，她至少拍了两部硬色情片，Satan Was a Lady (1975) and Come with Me, My Love (1976)，也因而确立了她在硬色情片中的地位，然而，随着sexploitation movies的退潮和家庭录影带工业的兴起以及80年代恐怖片的上位，潮流开始倾向于像Friday the 13th一样的slasher movies（杀手影片?）。wishman后来也尝试此类影片，但是并不成功，遂隐退。90年代中期，由于她在cult movies中的传奇地位，又再次复出，尝试黑色电影，最后一部影片是each time I kill，是一部恐怖片，几乎全是自己完成的，于2002年去世。

David F. Friedman and Herschell Gordon Lewis

 

herschell                 david on the right

   

herschell                 herschell在自己片子中客串

这是一对老搭档，friedman几乎制作了lewis所有的知名影片，lewis出生于美国宾夕法尼亚洲匹兹堡，被称作Godfather of Gore（血之教父），因为他创造了一种恐怖片的分支类型，"splatter film"（血淋淋的，血浆飞溅的电影）。Herschell Gordon Lewis与David F. Friedman相遇于60年代早期，两人最开始时共同合作制作一些erotic films，即黄色电影，Adventures of Lucky Pierre (1961)，是两人第一次在商业上取得成功的影片。而且，因为电检制度那时还没有允许电影上有裸体、性场面镜头的出现，两人合作的Goldilocks and The Three Bares (1963)更被称作是the first nudist musical（第一部裸体音乐喜剧）。

   

当黄色影片市场开始消退以后，两人开始转向探索一种未知类型的电影，第一部就是blood feast 1963，血宴，接下来又制作了Two Thousand Maniacs! (1964) and Color Me Blood Red (1965)，这些影片有着相似的特点，那就是血淋淋的视觉效果！此类影片一经推出，立即在恐怖片产业掀起了一股狂潮，那就是强烈的渴望模仿这种视觉效果（可以说，这种影响一直至今，在80年代达到顶峰，然后由于电检制度的介入衰退，现在又有所回潮，在萨姆雷米著名的evil dead、乔治罗梅尔的僵尸三部曲、意大利阿图金的恐怖片、彼特杰克森的bad taste等恐怖片上不难看出）。

乐队介绍
      Portishead,成立于1991年。Portishead也许算不上Trip-Hop的创始人，但他们绝对是此风格乐队中最先步入主流的，特别是在美国。缓慢、流畅而灵活，类似Massive Attack(大侵袭)的Blue lines专辑中的节奏，再加入少许的Cool Jazz、 Acid House以及电影配乐的风格，所有的这些构成了Portishead那种大气而充满诱惑力的的黑色音乐，深受好评。Portishead不象Tricky那样先锋，也不象Massive Attack那样固守舞曲的传统风格。他们典型的Trip-Hop节奏加上简单却反叛离奇的歌词，使Portishead走在先锋与时尚之间。  
       Portishead的乐迷十分广泛，他们有喜爱电子舞曲，有的喜欢另类摇滚，有的又是混合了Trip-Hop、泰克诺舞曲和世界音乐。1994年，Portishead发行了他们的首张专辑《人体模型,也有人翻译成傀儡》Dummy之前，Trip-Hop之风尚未掀起，但Dummy在英国的成功令每个人都料想不到，专辑受到了各界的好评并获得了颇富声望的Mercury音乐奖；在美国该专辑也高居地下音乐排行榜之首。Portishead美国巡演之前，专辑便销售出15万张。Dummy的成功开创了Trip-Hop的辉煌时代，在随后的2年中,一批又一批的Trip-Hop乐队出现并成为一种时尚。相反，引发这股潮流的Portishead却躲在家中致力于他们的第2张专辑的工作。 
       Geoff Barrow这位 Portishead的中坚人物，成长于英国西海岸的一个港口小镇，1991年，他在布里斯托尔成立了Portishead乐队，Portishead的名字就是取自于布里斯托尔的西部港湾的名字。。最初，Geoff Barrow在Coach house录音室中担任母带操作工作，也正是在那里，遇到了 Massive Attack乐队，通过他们，Geoff Barrow又开始参与了特里基的专辑录制工作，并担当了《生病的细胞》Sick cell专辑说唱部分的制作，期间他还为内尼.彻里Neneh Cherry创作了家酿(Home Brew)。渐渐地，Geoff Barrow在录音界小有声望，与他合作的艺人越来越多，象(原始尖叫)Primal Scream乐队、Paul WELLER、Gabrielle和“depeche mode” 乐队等等。后来，Geoff Barrow遇到了在酒吧唱歌的Beth Gibbons(上图左1),两人开始合作写歌谱曲，以前曾在Big John Patton乐队和“Jazz Messengers”爵士信使乐队呆过的Jazz吉他手Adrian Utley 也经常与他们在一起。
　　Portishead还参与了60年代间谍的电影《杀死一个人》To Kill a Dead Man音乐创作工作，Geoff Barrow与Beth Gibbons既是演员又要制作电影音乐。在这部影片中大致情景是一个杀手用装配好的来复枪对准慢慢露面的目标，随着目标的倒下，而杀手也和他的女人离开了，这部影片出了2个版本，黑白的和彩色版本。有趣的是Geoff扮演那个杀手，而Adrian扮演目标，女人不用猜，就是主唱Benth Gibbons拉。。。；） 
　　这一切引起了Go!唱片公司的注意。秋天，Portishead与Go!（Go!Beat Records）公司签约，很快便发行了Dummy专辑。专辑的录音师有2位，一位是Dave MacDonld,同时他也是打击乐手；另一位是吉他手Adrian Utley，这两位贡献者虽然是Dummy的重要制作者，但他们并没有成为乐队的正式成员，到第2张同名专辑Portishead才成为正式的乐队成员。  
        不幸的是Geoff Barrow与Beth Gibbons是属于那种十分害羞的人，他们拒绝几乎所有的采访和介绍，以至于外界对他们毫无印象。但不久，Portishead与唱片公司想出了一个好主意，他们推出了乐队的音乐录象带。该带拍摄得十分飘渺美丽，借此引起媒体关注。很快《旋律制作者》、《混音杂志》、《面孔》三大杂志同时将Dummy专辑评为1994年最佳专辑。在1995年初，其中的单曲《荣誉纸盒》Glory Box在未经电台的宣传下，竟排到排行榜13位。同时，单曲《乖戾时候》Sour times也开行进军美国MTV，不到几个星期，《人体模型》和《乖戾时刻》便同时在美国地下音乐排行榜出现了，而此时的英国，Portishead似乎成为了主流乐队。专辑也进入了排行榜前40名。在7月份，乐队击败了众多对手，诸如BLUE 、SUEDE、OASIS和PULP，一举赢得了该年度英国Mercury音乐奖。之后， Geoff Barrow回到了Coach House录音室开始着手Portishead的第2张专辑，1997年，第2张专辑出版。 
　　Portishead出了4张专辑：1994年10月17日发行了Dummy(人体模型)；1995年发行了Glory Times；1997年9月30日发行了同名专辑Portishead；1997年7月24日在纽约玫瑰岛舞厅(Roseland BallRoom)现场表演，但这张专辑发行日期是在1998年11月3日，名称为"PNYC"（Portishead New York City）。  


主唱语录
        "我进入的这个世界叫做音乐的哲学.我喜欢有惊喜,有突如其来的变故,就算只有一个字的歌曲,我也想用最好的方式去表达它."
        "没有人可以告诉你什麽东西叫做'悲伤'因为,很多时候,悲伤这种勾当是要自己去体会才能了解的."     


推荐单曲
        Glory Box
        Sour Time(Nobody loves me)

电影简介
      “斗阵俱乐部”的第一条规则是：别和任何人谈起“斗阵俱乐部”！
　　“斗阵俱乐部”的第二条规则是：别和任何人谈起“斗阵俱乐部”！
　　泰勒说：“自我改进的方法是手淫，而自我毁灭也许就是人生的解答！”
　　杰克（爱德华诺顿饰演）是一个充满中年危机意识的人，他非常憎恨自己的生活及一切，再加上他患有严重的失眠症，所以他常常参加各种团体谘询会，只为了能接触人群。
　　在某一个团体谘询会上，杰克遇上了一个跟他同样理由来参加的女烟枪，玛拉（海伦娜宝汉卡特饰演），在莫名激素的影响下，杰克和玛拉一起逃离了谘询会，两人的情愫因而滋生……。
　　在一个街头大战中，杰克遇到了卖肥皂的商人，泰勒（布莱德彼特饰演），两人因缘际会地成了好友，并开始创建了“斗阵俱乐部”：一个让彼此不戴护具而互殴的聚会，宗旨在发泄情绪。
　　某夜，泰勒在杰克的公寓中把玛拉给“上”了，这让杰克非常忌妒。同时“斗阵俱乐部”也成了全国性的地下大组织，所有成员都将泰勒视为教父。为了辨识起见，成员还都剃了光头。
　　杰克对于“斗阵俱乐部”的现况及泰勒的疯狂模样越来越无法忍受，所以他决定疏远泰勒。但是，此时的“斗阵俱乐部”成员却发起全国性的暴动，他们炸毁了不少建筑物……，一切的局势都是杰克始料未及的，他该如何解决这混乱的现状？“斗阵俱乐部”又会疯狂成什么样子？
　　杰克与泰勒之间的恩恩怨怨会如何了结？

精彩影评
    《搏击会》隐喻了社会边缘青年的生活和精神状态。"当代搏击结束时，什么也没有解决，不过一切都无所谓，不管怎么样，我们都感到自己被拯救。"电影中的几个主要角色都是在痛苦和接近死亡中寻找自己的存在。
　　城市白领Jack能够感到，他所做的工作，他自己的生活，是没有任何意义的。他们不过是现代社会中消费的一环。他们更关心物质而不是人。在这种空洞的存在中，人能选择的只是将这种生活的空洞和虚无加以点缀，用更好的物质享受让它看起来似乎很美妙，用物质享受对它给人造成的伤害进行补偿。内容空洞虚无的生活使人麻木，这种麻木让人感到他对世界的感知和反应能力在逐渐退化和失去，他对自己存在的感知也开始模糊和不真实。一切都源于焦虑。焦虑来自于生活的不真实感。生活的不真实感则是这样的症状：你感到生活中一切似乎都合情合理，以正常的秩序进行着；然而你却又感到（而且是极其顽固的感觉），在这些正常的景象下，一切都有问题，但你不知道出了什么问题，因此也不知道该如何解决。世界对你来说是遥远的。
　　为了找到情感的释放和精神上的安慰，Jack去参加各种能够想象到的绝症的安慰互助组织，一开始他竟然成功了。他在感受他人的痛苦和绝望中，在与濒死之人的接触中，释放了自己的恐惧和焦虑。这种存在感是确实的，因为他人的痛苦比自己的更实在、更强大，他自己的痛苦不值一提了，他得到了某种安慰和解脱。"……黑暗，沉默而完整。我找到了自由。抛开一切希望就是自由。"他又能安眠了。最初Jack混进的是一个睾丸癌幸存者帮助会。这也许并非巧合，而是暗示了在一种空虚的被阉割过的消费主义文化中人的恐惧。
　　无能为力，无法改变现状，是一种癌症，是现代生活中的癌症。面对现实时的虚弱感是致命的。无能为力，使人感觉自己的生命是空虚，同时他也看到他这一代没有哪个人的这种境遇比他更了些。这是一种普遍的虚无，其中蕴藏着深深的绝望。虚无使人痛苦，使人希望借各种方式找回存在的真实感。对于痛苦，人们的选择有几种：一是结束这种痛苦，即自杀；二是逐渐缓解或减轻这种痛苦，比如积极努力，自我改善，找到生活的真正意义。我们的角色显然放弃了第一种方式。对第二种努力，他们是不屑的，而且蔑视这样的努力，因为他们也不知道该如何改进。而搏击会的成员选择了第三种方式，这种方式的哲学就是：如果不能结束或缓解这种痛苦，那就让它来得更猛烈、更极端、更直接一些，将精神上的痛苦转为肉体上的直接痛苦转为肉体上的直接的痛苦，将痛苦承受的中心，由大脑和精神转移向肉体。
　　在搏击会的初期阶段，暴力还不是毁灭性力量，如果说它毁灭了什么的话，就是在打斗的时候毁灭了每个人那种虚无缥缈的不真实感，毁灭了虚无带来的痛苦，代之以肉体痛苦的快感。将肉体痛苦作为集体痛法的工具和手段，试图将自己从"现代生活的枷锁下"解放出来。这些博击会的成员们此时有些像集体修炼的苦行僧，通过一次次肉体的痛苦修行，使他们对肉体痛苦的信仰更加坚定。搏击会的早期是具有宗教气氛的。
　　搏击会更像一个医院，而暴力是药，搏击是精神疗法。更确切地说，暴力是兴奋剂，它与吸毒的作用是一样的。它们都是用幻觉和模拟的体验使人逃避现实。这种相互分亨并且上了瘾的暴力，终将蜕变扭曲。上瘾就意味着被自己之外的东西、被自己的欲望和要求所控制，成为它们的奴隶，就意味着生活的自主权被阉割。现代人的精神悲剧就是，当他们自我搏斗、脱离了一种精神上的奴役的时候，时常不知不觉又进入了另一种奴役，他们期待一种精神毒品使他们脱离自身的麻痹，不幸的是，这种精神毒品使他们更加麻痹了。
　　逐渐，暴力与痛苦非但没有得到排解和消除，反而开始失控了。Tyler站在搏击会里面，走来走去，用精神领袖的口吻对大家说："在搏击会里，我看到了有史以来最强壮最优秀的人，我看到了潜力，但是它们被浪费。该死的，整整一代人都在当加油工、招待员或者白领奴隶。广告让我们追求汽车和时尚，让我们做自己憎恨的工作，好让自己有钱去买那些不需要的狗屎。我们是被历史抛弃的一代，没有目标也没有位置，没有伟大的战争（指美国内战），也没有经济大萧条。我们的伟大战争就是精神上的战争，我们的生活就是经大萧条。人小就看电视，幻想有一天能成为百万富翁、影帝或是摇滚乐明星。但是我们不会这样做了，我们正在慢慢明白真相。我们真他妈的被激怒了……"
　　这真是极富煽动性的语言。现在，过多积聚的暴力已经要向外寻求出口了，因为仅仅是肉体的痛苦也已经无法替代难以改变世界和现实、难以抗拒虚无的精神痛苦了。在平日空虚下掩藏的愤怒已经不可掩藏了，已经无法通过搏击来缓解、遗忘和消除了。现在，精神上的"伟大战争"已经结束，实际上，真实的、对外的战争已经要开始了。无政府主义这时已经滑向极端主义和法西期主义。搏击会由最初名副其实的"搏击会"发展为"大破坏行动"。一个军事邪教组织诞生了，Tyler就是上帝。我们能在搏击会中看到美国近年以来无数邪教组织的影子。
　　Tyler在不断鼓吹他的思想和哲学。在他看来，抛弃一切幻觉，接近痛苦甚至毁灭与死亡的过程是获得自由的途径。Tyler开始是一名反物质主义、反消费主义的无政府主义的英雄式人物，而他最终的行动和哲学不但指向反社会，而且指向了反人类。有时这使人想起了许多恐怖或极端组织的早期，其领袖人物都是带有激进思想的，但最终，他们却往往由激进发展到了极端主义或恐怖主义。搏击会的历史似乎就向人们展示了这个过程。
　　搏击会和它发生的一切，只是Jack现实中自己没有察觉的噩梦。影片其实一直暗示Jack有一个分裂的自我，大多数时候，他只是自己的一部分。影片中Jack的画外音一直在以这样的方式说?quot;我是Jack的报复方式……我是Jack的浪费的生命……我是Jack被拒绝的感觉……我是Jack的破碎的心……"他已经失去了对自己生命的完整感知和支配权，他被自己潜意识中的幽灵Tyler控制了。现实与梦想之间的冲突使人容易成为双得人格。Tyler是由Jack潜意识中欲望产生的。
　　在四处寻找Tyler的过程中（可以说这是Jack的精神之旅），Jack难以置信地发现，那些以为是Tyler所做的事情全部都是他自己做的，Tyler和他是一个人。他丧失了分辨梦境与现实的能力。当Jack最终意识到他和Tyler和他是一个人的时候，观众们也才从前面一个多小时的电影幻觉中苏醒。人的眼睛失神的时候，就会看到一件事物的两个影子。如果把Jack最初的搏击会中的搏击认为是释放痛苦的空虚，那么他现在更多地是在自己的灵魂里搏击了。
　　Tyler击败了他，将他带到楼顶。他一切试图阻止灾难发生的努力看来都将是徒劳的。最终他消灭了Tyler，但是噩梦造成的后果却仍旧发生在现实之中……影片的结尾似乎是一种自我救赎的努力，然而一切为时已晚。这似乎是一个对现代人找寻却最终失控和无能为力的尴尬处境的隐喻。
　　搏击会成员的行为与法西斯当年的所作所为某些地方惊人地相像。比如搏击会成员用美容院做人体抽脂手术后废弃的人体脂肪做肥皂的情节，使人想到二战期间法西斯的所作所为。在描写纳粹暴行的《大屠杀》一书中，也有纳粹将犹太人的尸体提炼做成便宜的肥皂的记载。某些评论家认为《搏击会》甚至是在宣扬法西斯主义，这显然是完全错误的。 在与《搏击会》公映的差不多同一时间里，发生了震惊全美的Columbine中学杀人惨剧，凶手是在校的两个十几岁男孩，他们没有任何理由地在校园里开枪打死了十几名学生和教师。《搏击会》公映后，又发生了一起青少年模仿影片中的场面进行搏击而严重受伤的事件。但《搏击会》这部电影本身向人们争辩的正是：并非是某些电影向青年人灌输了暴力思想，而是美国的社会体制与价值观念造成的。《搏击会》揭示的是，现代社会如何制造了电影中出现的那种暴力环境。在结尾，Jack抛弃了把暴力作为向世界表达自己不满的做法。
　　对于人们说《搏击会》是不负责任的电影，出演Jack的Edward Norton的话可能最好地说明了问题--"艺术从来都在反映社会。艺术并不发明暴力，也不启发暴力。这部电影审视了暴力和沮丧产生的根源，它们竟会使人们去寻找如此极端的解决方式。这正是我们的文化应该反省的。假如一种文化不能反省自身的暴力，那才是最危险的。"

经典台词
     You're not your job. You're not how much money you have in the bank. You're not the car you drive. You're not the contents of your wallet. You're not your ing khakis. You're the all-singing, all-dancing crap of the world.

     All the things you wish you could be, that's me. I look like you wanna look, I fuck like you'd like to fuck . I am smart capable and most importantly, I am free, in all the ways that you're not.
 
　　It's only after you've lost everything that you're free to do anything.
    
      I found freedom.  Losing all hope was freedom.
　　
 
      Without pain, without sacrifice, we would have nothing.
　　
      You are not special. You are not a beautiful or unique snowflake. You are the same decaying organic matter as everything else.
 
      The things you own end up owning you.
 
  　 First rule of Fight Club, you do not talk about Fight Club. Second rule of Fight Club, you DO NOT talk about Fight Club. Third rule of Fight Club, when someone says stop, goes limp or taps out, the fight is over. Fourth rule of Fight Club, only two guys to a fight. Fifth rule of Fight Club, one fight at a time. Sixth rule of Fight Club, no shirt, no shoes. Seventh rule of Fight Club, fights go on as long as they have to. Eighth and final rule of Fight Club, if this is your first night at Fight Club, you have to fight.
 
       I see in fight club the strongest and smartest men who have ever lived -- an entire generation pumping gas and waiting tables; or they're slaves with white collars.Advertisements have them chasing cars and clothes, working jobs they hate so they can buy shit they don't need.We are the middle children of history, with no purpose or place.We have no great war, or great depression.  The great war is a spiritual war. The great depression is our lives. We were raised by television to believe that we'd be millionaires and movie gods and rock stars -- but we won't.And we're learning that fact. And we're very, very pissed-off.
 
        [THE END]I'm sorry... you met me at a very strange time in my life.

电影简介
        柏第是一个憧憬自己能化成飞鸟的少年，在一次打架事件中与艾尔结交为知己，两人于是开始勤做各种飞行的试验。在人、鸟都被杀害的越战前线，柏第体验了战争的残酷，终于因身心不堪负荷成了精神病患，在病院里他始终相信自己是一只自由翱翔的飞鸟...
　　本片根据威廉·霍顿1978年发表的一部招人非议的不寻常小说改编而成，故事以越南战场为背景，片中摄影、配乐核剪接都具有高度的实验性，也使得这部交织于过往记忆和现世惨痛的作品，始终维持著极强的戏剧张力，深具震撼效果。
    
精彩影评
    《鸟人》:在福柯关照下的症候分析
    人们几乎无法恰切的评价福柯这个２０世纪６０年代以来最有影响力的哲学家，他的思想辐射之广，几乎深入到西方哲学，文学，社会科学等各个领域，他的理论似乎是一种对理论的反思，一种对文化的不同侧面的探讨，因此精密的语言无法概括、包含福柯的理论，而更为疯癫的语言表述似乎更容易令人信服：福柯，一个非历史的历史学家，一个反人本主义的人文科学家，一个非结构的结构主义者。
　　现代生活的种种隐秘的弊端无法逃脱福柯的锐眼，监禁，精神病，同性恋以及医学都是福柯研究的领域，而这些貌似极为边缘的话题却恰恰在福柯的阐述中成为隐藏在社会最基层的推动社会运作的原初动力，是社会权力机构最为敏感和薄弱的环节。因此，福柯的理论是社会运作的机理式分析。而《鸟人》却恰恰可以看成是福柯理论的电影本文。
　　完全用福柯的理论来贯穿一部影片评论话语的始终，还是一件十分大胆和毫无把握的事情，但好在福柯旨在建立一种时间和空间上双重宏大的理论，因此用这种涵盖性极强的东西来评判某种具体的现象更不容易露出破绽，其他的东西就要靠看客细细体会，因为我不会说的很清楚。

症候分析：
1.关于疯癫
   《鸟人》中鸟人生性喜爱小鸟，梦想着象鸟儿一样自由的飞翔，而残酷的战争在他的面前血淋淋的剥夺了大量鸟儿的性命，他开始拒绝同杀鸟的人类说话，并象一只受伤的小鸟一样蜷缩起自己的身体。而鸟人的少年好友艾尔则有着一般人的所有爱好，比如喜欢追求女孩，热衷性爱。然而他却能理解鸟人并与他为伴，在鸟人被关进医院之后，艾尔为配合医院的治疗工作——将鸟人恢复为常态，而每日对鸟人重复往事，以期唤起鸟人的记忆和与人对话的欲望。在影片中，对待鸟人的怪异秉性有着截然不同的两种态度，这两种态度的代表分别是艾尔和威斯。
　　威斯是理性世界的代言人，他以医生的身份出现，力图将癫疯的世界按照文明世界的规则来规范。艾尔是界于理性和非理性之间的过渡，起初他代表理性/文明世界对非理性/癫疯的鸟人实施拯救行动—— ，威斯和艾尔之间的差别仅仅从他们对鸟人不同的形容词中就能看出来，威斯说鸟人是“快疯的”，而艾尔则认为鸟人只是“很特别”。反复努力之后，他发现他自己正在被鸟人所同化——说服者被被说服者所说服。（战争残酷的记忆越来越强烈的刺激着他的神经），他也开始象一之受伤的小鸟一样卷曲着手脚，蜷缩着身体。直至后来他自己意识到了一个不可告人的秘密：“他对鸟人说：‘如果威斯知道我在想什么，他也会把我关起来的。’”这个时候他已经非理性而癫疯的世界之中而无法自拔。他甚至在向鸟人道歉说“我不应该留下你”。但这时威斯已经不再相信艾尔会再继续按照他的意愿整治鸟人了，他对他已经失去了作用，换言之，艾尔已经站到了理性世界的对立面。他也被当作疯人一样对待。
　　我们且看艾尔成为“疯子”之后的反应，即他是如何对抗理性世界的，他也拒绝同自相惨杀的人类对话，但是与鸟人不同的是，他是以嚎叫的方式来表达他的拒绝的，当护士以和颜悦色要求与他谈话的时候，他这样说：“从我进来之后就一直在谈，但是没有人会听，即使他们没疯。” 这句话，实际上是建立在自身形成的一套完整的价值观念体系上的一次义正严词表述，他以自身清醒的，卓然的纯自然的眼光来看待周遭的这个整个世界，这无疑是一个充斥着残害他人，神经质，压抑和癫狂的世界。从某种程度上讲，这是一种更为“理性”的拒绝，是一种积极的拒绝，一种自觉的选择。
　　“我不知道在那些绷带下还是不是我，老天我不要一张拼凑的脸。”这个社会，是以扼杀理想和真正自由为代价来存在的，这正是这部影片的主题。

2.关于话语权
　  福柯认为：某些禁忌以其本来的面目出现，而另一些更松散的禁制则是以道德的形式出现。人们大体上是按照社会中他人的意愿，或者说是主流意识形态的意愿来塑造自身，而这种意愿正是一种被控的话语权。在现实社会中，话语权从来都掌握在占统治地位/权力的一方。诸如“真实”，“真理”这样的东西究竟是不是无庸质疑，“真实”，“真理”其实都是在权力话语操纵下阐述的结果。掌握话语权的一方施加权利，被动的一方要么操纵同样的话语说话，要么以拒绝倾听和交谈来保持沉默。
　　具有强烈女权主义色彩的影片《钢琴课》，就是一部典型的以拒绝说话来保持自己话语权不被剥夺的电影。女主人公由于无法实施自己作为一个女性的正常的意愿的表达，而采用拒绝同男权社会对话来维护自己的权利。这种女权主义的沉默一直保持到女主人公找到自己心爱的男人并随他离开异乡。
　　显然影片《鸟人》中也存在一个话语权的问题，鸟人相对于人类，虽然谁也没能进入到对方的话语系统中——人类说的是正常的道德的话，而鸟人只在心灵上同鸟对话，“我要爬上去同他们说话”——但明显是人类的话语占据了主导的地位。于是鸟人被现代医学诊断为濒临精神病，并用现代医学手段对其进行治疗——目的是逼迫他说“人话”。
　　正如片尾鸟人同艾尔说的那样：“我不知道同他们说什么。”鸟人自始至终都很明白自己值得对话的对象是什么。福柯在他的谈话录《自画像》中谈及对沉默的欣赏，他说，有很多种说话的方式，也有很多种沉默的方式。某些沉默带有强烈的敌意，另一些沉默却意味着深切的友谊，崇敬，甚至爱情。不幸的是鸟人的沉默是一种敌意的沉默。
　　起初，艾尔还是试图同鸟人对话的，试图将其从被战争刺激的悲惨记忆中拯救出来，但他没有想到的是，鸟人并不是丧失了说话的能力，而是不知道同他们说什么，他自然也不知道同艾尔说什么，只有当艾尔从战争的轰炸中醒悟过来，面对自己残破的连，他说“我还是想要他是原来的艾尔，而不是什么怪物，他们的世界有什么好，我们还是呆在这里别出去，我们不要跟任何人说话，而且常常发疯。”这时，鸟人说话了。
　　正如福柯在《癫疯与文明》中阐述的那样：“我的问题是，主体以什么代价才能讲述有关自身的真理？主体以什么代价才能讲述自身作为疯人的真理？”

3.关于妄想症
　　按照精神病学的观点，鸟人应当被诊断为患有严重的谵妄症。“有些人自以为是野兽，便模仿野兽的声音和动作。有些人认为自己是玻璃器皿，因此避开过路人，以防自己被打碎；有些人畏惧死亡，然而他们却往往更容易致使自己夭亡。还有些人在想象中认为自己反有某种罪行，每当友人走近他们，他们就惊恐战栗，以为来者要逮捕他们下狱和判处他们死刑。”谵妄的想法始终是孤立割裂的，并没有损害理智整体。　
　　鸟人喜爱鸟，与鸟为伍，妄想自己是一只鸟，企图象鸟一样在天空中自由自在的飞翔。这种想法几乎占据了他生活的全部，发展到极端，便成为一种病症。鸟人爬上高处，并不惜生命的代价获取与鸟对话的一次机会，他给自己做鸟的衣裳，赤身裸体的睡在象鸟笼一样的地方。
　　鸟人不同常人的精神状态集中体现在他精心策划的三次飞翔上。第一次是意料之外的飞翔，鸟人和艾尔爬到建筑工地的高架上鸟人不小心滑落下来，可是在危险的一瞬，鸟人却以一种极为优雅的姿态“飞”降下来，他第一次飞，却因此摔断了双腿。
　　第二次飞是经过精心策划的。鸟人为自己做了大翅膀，并每天锻炼臂力，计算每分钟扇动的次数，但当他们真的从垃圾场的小山坡上飞下来的时候，结果却是一段距离之后鸟人落入一个污水坑中。这是第二次关于飞行的悲剧结局。
    第三次，鸟人终于飞起来了，但是这次飞行不是在现实中飞，而是在幻想中飞，是精神的飞翔。他说：“我飞了，好象是在梦里，不过不是梦。你没法形容，只能去感觉。”
    鸟人的这种状态，是一种回归自然的状态，是一种更为原始的状态：我宁愿死去，重生时，做一只鸟。他只有在现代社会里才是疯的，才能被指认为疯子。“在蛮荒状态不可能发现癫疯，癫疯只能存在于社会之中。”
　　对于人来讲，人是不能飞的，人只能跳，试图象鸟一样从高处飞起，其结果就是摔下重创。然而鸟人却以优美的姿态下落。那一瞬是多么另人激动，为了这飞翔的一瞬，鸟人似乎不顾飞之后的结果是什么，甚至忘记生命的存在。这正是福柯所倡导的精神：
　　“对我来说，那种纯粹的完全的快乐是同死亡联系在一起的。我甚至希望有那种(笑)过量的快乐，我宁愿为它而死去。” 
　　“有一次我在街上被一辆汽车撞了。我那时正在走路。有那么几秒钟我感觉自己正在死去，而那种快乐真是非常非常强烈。当时是夏天傍晚七点钟光景，天气很好，太阳正在落山，天空一片碧蓝。这是我迄今为止回忆中最美妙的情景。”
    福柯的生活也是“尼采式的探索”，他如浮士德一般，一生追求“极限体验”，从未止步，直到最后耽迷于非性欲化的“极乐”体验，也就依次被“魔鬼”摄走。福柯的文化边界研究是与其社会边缘心理相辅相成的。

4.关于监禁
　 从影象上看，虽然并未被表述为监狱，但影片中呈现出来的医院显然就是一个用于囚禁的场所。鸟人居住的小屋很象一个牢房，而只有一个小小的天窗，使他能够看到外面的蓝天，这个窗户是如此的小，以至于他只能定睛朝一个方向凝视，而天窗上却也布满了否定自由的铁丝网。由天窗中射进来的一缕蓝光笼罩着蜷缩着的鸟人，这是他的希望之光，而也就只有这一束光守侯着鸟人。
    片头蓝天中滚滚的云朵和稠密的铁丝网的叠画形成强烈的对比，也给影片在一开场就蒙上了一层悲剧的色彩。鸟人以其经典姿态：象鸟爪一样勾起的脚趾，紧紧蜷缩的双手，赤身裸体，婴儿般的蹲在床栏杆上，扬头向上，望向窗外，好象一只始终作好了准备，时刻梦想着展翅高飞的金丝雀。 
　　鸟人用他的形体对抗着监禁他的环境。通过其健壮的身体所显示的野性未羁的无言的青春力量，透露出一种生而自由的，已经获得解放的人性存在。如果说这些身体的姿势暗示了他们的梦想，那是因为这些事特别张扬了他们的那种不被承认的自由。
　　福柯说：人们不能用禁闭自己的邻人来确认自己神志健全。而被禁闭的人能够始终坚持着确认自己的信念，而不被另外一种的癫狂所颠覆，这将需要多么大的勇气。至少，鸟人的疯癫不是一种被投入监狱的疯癫，而是被投入黑暗的疯癫，在黑夜中，他只能与自己内心最隐秘，最孤独的东西交流。
　　鸟人以这种卓然不群的姿态，所要对抗的是一种权力产生和行使的机制，一种将特别的人当做马戏团的动物进行驯服的习俗，使世界上所有人都摆有这种姿态而不是那种姿态的所谓的约定。１８世纪以来出现的一整套“管理”技巧，而监狱只不过是其表现之一，以及在刑罚领域里的变形。

导演的态度:
    从一般的角度来看，这部影片的导演必定是具有一定程度的精神抑郁或者癫疯症，才会将这样一部形式内容都十分怪诞的故事搬上银幕。 
　　艾伦?帕克是以一种赞赏的态度，唯美的眼光来拍摄鸟人现实生活和他的内心世界的，鸟人的行为，在世俗和常态的眼光看，无疑是病态，癫狂和非理性的，然而当战争被指认为一场疯狂而惨无人道，违背自然意愿的行动时，当现时生存着的人们已经在冰冷的机器声中无法入梦的时候，在这个背景下，癫疯是一种恢复了的常态，是一种控诉现实的无声的吼叫，是人用自己的精神和肉体对抗钢筋水泥的具体行动。 
　　在艾伦?帕克这位颇又感悟力而深有社会责任感的导演手中，还诞生过象《迷墙》这样更直接的意向性，符号化的影片，它的以后现代的方式对现代生活的控诉，甚至是更为直接的吼叫。 
　　现代世界的艺术作品频频地从疯癫中爆发出来，这一情况无疑丝毫不能表明这个世界的理性，不能表明这些作品的意义，甚至不能表明现实世界与这些艺术家之间的联系和决裂。 
　　“凡是有艺术作品的地方，就不会有疯癫”，这便是《鸟人》这个后现代电影文本存在的最根本的理由。

       经典台词
       嗨，Birdy。今天太阳猛烈，我在水草中浸泡了五个小时之后想起你。还有看到你的那个晚上。现在有人再用鞭子抽打我的后背，它乌黑，暴裂而又炽热。明天我会看到朋友，她刚刚在电话里说你怎么变得那么烦，于是我们又开始吵了起来，像从前一样的快乐。

　　嗨，Birdy。我看到你生活在时间的断层中，幻想着一次又一次的飞行。你故意的坠落如同一只脱线的木偶，你纵身而下时可爱的微笑让我们尖叫，你好像被抛弃的娃娃，狠狠的摔在沙子上。在后来你说你飞了，那一刻美妙而又绚丽，你流着血说你飞了，那一刻你 笑容融化了我们心里的雪。

　　嗨，Birdy。有些白天我蹲在马路旁边看车和行人，这个夏天无所事事。我想象夏天的战争，直升机和地雷地，越南的湿气和虫豸。还有你朋友被炸烂的脸，那个英俊而又阳光的少年，那个以为可以带你走入现实却被你拽入幻想的少年，那个依赖着你来逃避残酷的 少年。你还是原谅他了，你善良。

　　嗨，Birdy。在现实面前你赤裸的蹲在地上，仰头望着囚笼外的蓝天，你瘦瘠的身体上板结着鸟的骨骼，如果有可能你会在背上刻出翅膀。在呆板的注视里鸟儿梳理着自己的羽毛，你认为你可以得到自由？这现实天天不断的羞辱着孩子们纯洁的心，长辈们又一次指 引着我前进的航向，他们把我放逐到天之涯，那一刻你脱下身上的羽衣，辉夜姬一去不归。月亮是圆镜，里面悲欢离合。这个天堂里你是否还能继续飞行？

　　嗨，Birdy。我在长镜头的凝视中观察你的表情，你匆匆地上楼梯，脱下衣服，钻入鸟笼，你抚摸着爱人的羽毛，倾听着啾啁, 你蜷缩着感觉她娇小身躯的温柔, 在爱情中继续着飞行. 你从猫嘴中救过她的命, 我相信她爱你. 否则她不会在仅有的一次叛逃后飞回来找你, 那一次她猛烈的撞向窗户的玻璃, 你在后面呐喊. 她破窗而入, 气绝而去.

　　嗨, Birdy. 这一切让我难受, 看你的时候蚊子不停的吸我的血, 午夜里你让我头疼的要命. 想你的时候有人用鞭子抽我的背, 今天阳光毒辣, 我和鱼一起游泳, 此时我的皮肤已经紫黑而又破碎. 如果天气不好你会不会继续飞行? 我们是不是一样任性? 你只是个单纯的孩子, 你眼中甚至无法区分贫富和善恶, 你只是幻想着阳春三月的蓝天中一次痛快的飞行. 我们却已在炎热的六月里被流火烧掉了翅膀. 这个夏天未开始时我已花光了所有的钱, 在我开始为钱担心的时候你的飞行是那么的遥不可及.

　　嗨, Birdy. 有时候沉默是生存的必要,　“我跟他无话可说”, 这让我高兴. 看你在他的哭泣和回忆中展开华丽的翅膀, 看你们跌跌撞撞的逃离这里, 看你向天空伸出双臂, 继续在废墟的那次成功飞行? “郁闷”, 一个六岁的孩子都这么说的城市, 你知不知道你有个不可能达成的梦? 我还是羡慕你, 可以忽略一切的飞行和哭泣, 可以完全沉浸在自己的世界里, 可以在结尾跳下天台继续蓝色的前进.

　　这结尾的飞行……

　　你说一切只可能是戏.
     
        相关链接
        经典电影<鸟人>   http://hi.baidu.com/%BB%C3%C4%F1

 1、On your own: The Verne 1994   下载
          
歌曲评析：每一支无论被包装成如何酷行、如何坏孩子、如何飞扬跋扈的乐队——只要它还在音乐中对自己的灵魂/良知负责，它总会在不经意中暴露出自己心灵深处软弱的一面、淌血的伤痕。对于The Verne这支习惯于狂乱的吉他噪音纺织迷幻情节的乐队，我终于找到这首凄美得月亮会哭、石头会化的吉他小品。
　　 Richard Ashcroft 弱声般光滑无暇的嗓音形成这首歌的皮肤——一个虽饮泣着，却美极了的少女的皮肤，她伫立于湖海之滨、夕阳之中，慨叹生命的无常、爱情的销陨。Ashcroft在歌曲中后段的假声特意勾勒出的是一种令人惊讶的麻木不仁。我无法明白他是在呼唤离开的爱情，在责备淡漠的人生，还是责备个体的无能。有趣的则是拍手般轻松的点击节奏。干净得似山谷清溪中冰粒般得吉他在歌曲结尾时，终于伴随着时而树般沉稳时而微澜的水面般的键琴，在Ashcroft悲哀得缩紧得哼吟中灭于天际。 

乐队介绍：乐队于1991年组建于英国的曼彻斯特，1992年凭一首单曲"All in my mind"被人们认识。The Verne的音乐深受英国70年代激进迷幻摇滚乐（Prog Rock）的影响，被称之为迷幻之音以及"90年代的Led Zeppelin（70年代伟大的摇滚乐队）"。
　　 1993年首张专辑《A Storm In Heaven》（天堂中的暴风雨）推出，颇受好评，与Suede乐队一同被誉为英国摇滚的明日之星。1994年和1995年The Verne分别发行了第二张唱片《No Come Down》（不要沉沦），与第三张唱片《A Northen Soul》（来自北方的灵魂），后者以一种罕见的音乐唯美主义获得了相当高的评价，其中主唱Richard Ashcroft幽怨凄美的歌声与天才吉他手Nick Mclabe超然脱俗的拨弦组成了The Verne音乐的主干，而这两个人彼此音乐间的分歧亦造成了乐队短暂的解散。Ashcroft终于在1997年结束他的离队情形，与伙伴们发行了销量可观的第四张专辑《Urban Hymns》（都市赞美诗），但与Mclabe的矛盾仍未根除，终于最近乐队宣布最终散伙。
 

 2、Where did you sleep last night:Nirvana 1994   下载

歌曲评析：它是一首翻唱歌曲，原作者是布鲁斯大师Huddie Ledbetter。一定意义上，这首"昨夜你在哪里安眠"是Kurt Cobain唱给这个世界的最后一首歌，而这是一首绝望的、漆黑色的情歌。
　　离开狂躁的和弦，震雷的鼓点与撕心裂肺的嘶吼，Cobain抱着一把木琴，羞怯地坐到了花团锦簇的舞台中央，用于点缀的是两瓶矿泉水与一盏烟缸。所有那些平素听起来如狂怒恶魔的诅咒般的歌曲乍然遍布了清晰的细节与朗朗动情的旋律，而Cobain的嗓音一旦剥去那愤怒的茧皮，竟然是婴儿般无助的悲哀。《Unplugged In New Youk》——这张专辑是可以听一万次、也可以落泪一万次的14首歌曲。
　　 "昨夜你在哪里安眠"是专辑的最后一首，在歌曲的末端，我在Cobain忍无可忍的暧昧、彷徨、怀疑之后，终于等到了爆发，那一声声强烈质问的唱腔已经脱离了这平静的场面，这含糊的音乐，这微笑的观众——它是痛苦，痛苦人性、痛苦人间。
　　我听到的不是什么谋杀故事，而是一个预言，一个可以预测却无法防范的预言。
　　我的姑娘，昨夜，你在哪里安眠？......

乐队介绍：涅槃（Nirvana）是来自印度的佛教术语，它一方面是对凤凰这种传说中的不死鸟之所以不死原因的描述（即将它每隔千年后将欲火而复生的事），另一方面也是禅宗里"顿悟"一类的意思，传说佛陀为人时离家在荒原冥思百天而得道成佛，被称做涅槃。
　　或许正因为这个名字里有太多的死亡含义，使得以此为名的这支乐队的灵魂人物/主唱/吉他手Kurt Cobain于1994年，他27岁的时候在家中饮弹自尽。至今原因众说不明。大概的说法是对商业音乐的厌恶，对人间的绝望和对人性的疏离。他在遗书中说："赖活不如好死"；并在遗书结尾表达了对妻子、女儿深切的爱恋。某种角度上，我相信，Cobain是半世纪流行文化史上又一尊涅槃的佛。
　　涅槃史90年代初期，美国朋克回潮大流中的中坚乐队，这个潮流被称作Grunge。它一共有四张录音室专辑，而这首歌曲选自它一张Unp lugged现场专辑《Unp lugged in new york》，"Unp lugged"直译是"拔去电插头"的意思，而实质上是指一种音乐演奏方式，即用原声设备来演奏，所以听起来非常清晰。
　　除Cobain外，乐队其他二人为贝司手Krist Novoselic和鼓手Dave Grohl，二人现已另组乐队发展。

3、Wind of change: Scoprions 1990    下载
 
歌曲评析：流行金属界里，有一条不成文的规矩，即每一张被激情澎湃的重型和弦包裹得严严实实的专辑里，总要有一至两首供听者的耳朵喘口气的慢歌，这支歌旋律总是非常抒情，而主唱的声音亦是一改平时的暴戾感，变得阴柔而多情。对于专辑《疯狂世界》而言，这首"变迁之风"即是点睛的慢歌。
　　这种慢歌在普遍情况皆是与男女恋情有关的内容，而这首歌曲是在抒发反战与反博爱的关怀。该歌创作于乐队在前苏联开演唱会的时候，作者在莫斯科街头漫步，享受着北国冽然的风吹，观察着脱离战争苦难的人民祥和的生活时的所感所想。这种政治冲动蝎子乐队曾在推倒柏林墙时显示过，那时他在著名"THE WALL"演唱会上表演了开场曲。
　　始终绕梁的是那悠扬的口哨，它使这首歌骤然有了灵魂。
　　歌者略显沙哑懒怠的嗓音一步步走向抒情的山巅；果断重鼓与激昂和声的突然加入使得音乐高潮成为可能；而歌曲中段漂亮、辗转、高飞的吉他独奏正是高潮所在。 

　　 乐队介绍：这支老牌流行重金属乐队已经拥有二十多年以上的历史了，乐队自1976年的首张专辑《Virgin Killer》引起轰动以来，一直延续到80年代中后期流行重金属大红大紫的阶段，可圈可点的专辑又1988年的《Savage Amusement》（野蛮地享乐）和1990年的《Crazy World》（疯狂世界），这里选取的这首蝎子乐队最著名的歌曲"变迁之风"即是选自后者。
　　应该谈及的是蝎子乐队的国籍，他们来自德国的汉诺威。德国是一个文化上非常特立独行的国家，是电子音乐的起源地，并一直坚持用德语来负载自己的流行音乐?褂芯褪撬肴毡臼鞘澜缟霞耸笛?先锋音乐最多而且优秀的两个国家。但是蝎子乐队显然与上述诸点格格不入，因为它是一支很普通的，用英文演唱的传统摇滚乐队。

 4、Horrible: Frente! 1996   下载
 
歌曲评析：福兰特乐队出现于所谓"另类摇滚"正如火如荼的90年代——当流行文化中的某一潮流沦为泛滥时，它的负载就会被无限制膨胀，譬如这项"另类摇滚"的帽子成为可能热销的保证后就会被强加于任何一支有个性风格的人或者乐手身上，更加上这一定义暧昧不明的指向，所以福兰特乐队一出现，就莫名其妙地登上这艘"花船"。
　　实质上，与美国诸如R.E.M.、Jane's addiction、Spin Doctor这些根源摇滚味道浓郁的所谓的另类摇滚乐队相比较，可能在音乐上福兰特乐队更有资格称为另类。
　　拿这首歌为例，在绕口令一样迅速的延长中一切旋律或者节奏的细节一点都没有被忽视，它们——玲珑剔透地显示而出，这是一首可以在听觉感觉上不断带给你快感与惊喜的歌曲，幽默感十足的贝司贯穿歌曲始终，形成一条稳固的轴线。我们可以听到结尾时主唱已经笑出来般戏谑的声音，还是否与歌名"可怕的"形成让你尴尬的反差呢？
　　当一个人在怀念"已失去的人的含义"时，的确可以惊怖地笑出来。 

乐队介绍：福兰特乐队来自澳大利亚。来自澳大利亚的乐队总是一些让人摸不着头脑的乐队，这些人甚至比来自爱尔兰的同学更加远离欧美主流音乐的倾染，莫名其妙地展示给我们一种不经意的特立独行，我可以很随便地揪出一大堆例子：新浪潮组合O.M.D（黑暗中的管弦乐队）、时硬时软的Midnight Oil（午夜石油），无厘头硬核Birthday Party（生日宴会）、一半澳洲血统的Dead Can Dance（死亡起舞）等等难以规类，气质迥异的艺术家。
　　福兰特乐队在1994年发行了同名大碟，并获得巨大成功，这首歌选自他们1996年的专辑《Shape》（形状）。

 5、Purple Rain: Prince 1994   下载
 
歌曲评析："紫雨"是王子早中期的作品，亦是他最为著名的创作。什么是回肠荡气？什么叫绕梁三日？这首歌即是最佳典范。
　　音乐开始的重鼓会让你想起什么？我想到的是为爱情击伤、又被爱情激扬的人的心跳，虔诚而深重。将近9分钟的音乐进行中，你会找到无数种乐器、会找到无数个小节、更会找到无数次高潮。王子略显沙哑的嗓子抑扬顿挫地勾勒出怎样的一种深情呢？当音乐的气氛已经完全白热化之后，在我已经无法心醉神迷的时候，音乐却仍无休止、无限度地深入再深入、激化再激化，让你感动不停地向更高级的方向演进。
　　这几乎是一首无懈可击的流行歌曲，它达到了流行文化的顶峰。

乐手介绍：王子（Prince）的原名是Prince Nelson Rogers，1958年出生于美国明尼苏达州，作为一个成长于白人社区的混血儿，他经历了不愉快的童年生活。王子在12岁就离家而自食其力，并在17岁时与华纳唱片公司签约并发行了首张唱片。
　　王子是流行音乐范畴里真正的、绝无仅有的天才典范，他在非常年轻的时候就已经可以掌握十数种乐器并可以自由地在布鲁斯、爵士、朋克、民谣、重金属、说唱等音乐风格之间游转自如。他的音乐风格是难以定义的，因为它囊括了太多的风格。王子曾经被冠以"摇滚鬼才"与"当代莫扎特"的美名。

6、Joey：Concrete Blonde 1990   下载  

歌曲评析：Johnette Napolitano有一副非常少见的坚强、冷静、伤痛的女性嗓音，在金发异端一贯诡异、冲动的歌曲中，她的嗓音总是或在冰冷地讲述、或在愤怒地质问，而在这首"Joey"当中，我竟然感到了这个出色的女性温暖的一面——虽然在我彻底了解这首歌之后才发现这里的"温暖"无非是她用来反讽人情冷暖的手段。
　　这首歌讲述了一个荒诞不堪的爱情故事，Napolitano娓娓道来，当我们突然发现这样荒唐的情节其实缀满在我们身边形形色色的爱情生活之中时，或许应该自省一下是我们人性出了问题，还是我们的感情出了问题，我们不信任的是对方的爱还是自身的责任感或者自卑心。
　　背景音乐从始至终都笼罩在一种慵懒含蓄的节奏之中，而吉他与贝司的弦声亦显得漠不关心、敷衍了事。这样麻木的音乐中你可以听到Napolitano极端戏剧化地将歌唱的声调与情绪不停游移在平静柔和与高亢冲动之间。两者之间的转换是没有任何中间阶段的，而这点正是这首歌可以让我们肃然起敬的原因，而不止是它磅礴的启示与煽情的旋律。

乐队介绍：以女性为核心人物并以女声演唱的乐队中，金发异端是真正的传奇。乐队在1986年成立于美国好莱坞，原名叫做"Dream6（六次梦）"，在灵魂人物/主唱/贝司手Napolitano的领导下，乐队在1989年推出的第二张专辑《Free》中，放弃了原先体制气十足的金属味道，而开始用音乐来挖掘人性与文化的深层，他们在这张专辑中迸发出的女性的细腻情感、诗人气质以及理性的愤怒使其迅速在美国独立音乐界有了位置。
　　这首"Joey"选自乐队第三张专辑《Bloodletting》（血流），亦是金发异端唯一一首上榜作品。乐队的第四、第五张唱片是他们的颠峰之作，但那时乐队已经完全放弃了对主流音乐的妥协与靠近，而完全站在为所欲为的先锋摇滚前线，这两张专辑《Walking London》和《Mexican Moon》（墨西哥之月）随着岁月的流逝已成为永远的经典。乐队于1995年解散，现在Napolitano以个人身份发展，继续坚守着自己的社会批判与女权立场。

7、Creep：Radiohead 1992   下载 

歌曲评析：琐碎的吉他迸裂在敦实平静的鼓点之中，Yorke似乎梦中呓语的演唱，我的心一下沉没于这绝望的爱情里。然后肮脏狰狞的吉他重弦一下一下地撞击着唯美华贵的音乐表层，一定有什么要来了——包括那一直赞美爱人的呻吟也在压抑，在等待爆发。
　　然后，爆发就来了。
　　 ——"而我只是一只蠕虫，我是一个怪人/我在地狱中生活/我不属于这里。"
　　以及泛滥而语无伦次的吉他催弦，节奏变得无从解释，演唱则变成一种临界的怪物
　　 ——紧张、易碎、恍惚。会有多少在情感上相同经历的人在听到这里时心脏被猛然攥紧呢？
　　如此敏感、病态的音乐一直环绕于远离人群、被社会所孤立、却自认有思想、有抱负的现代都市青年的灵魂之中，他们一般有典型的双向性格，正如这音乐所表达的疲倦与兴奋、冷静与狂躁、憧憬与绝望......
　　艺术的好坏绝对不应该由其是否在表达美好的、高尚的东西为准则，那更多被当作一种政治愚民手段。艺术好坏的评判准则中的准则，就是它表现出的是否是真实的情感。
　　所以这首歌才会在世界范畴内被青年所传唱。

乐队介绍：90年代以后对日益势微的英国摇滚来说，真正在音乐和商业上都取得佳绩的并不是黔驴技穷和Oasis，也不是曲高和寡的The Verve，更不是老花今放的Pulp，而是Radiohead（电台司令）。
　　五位来自牛津的小伙子在90年代初组建了这支乐队，他们分别是主唱Thom Yorke，主音吉他兼键盘Jon Greenwood，二吉他手ED O'Brein，贝司Colin Greenwood
　　和鼓手Phil Selway。乐队在1993年发行了他们的处女专辑《Pablo Honey》，这张唱片的音乐中多少有些当时美国流放到英国的Grunge风潮影响，即是音乐气氛突然由平缓变得狂暴，诸多歌曲中你可以感觉到这点——刚戾的吉他和弦与尖叫的人声突袭而来。这首"爬行"成为收音迷最为世人所知的畅销金曲，即来自这张处女专辑。
　　随后乐队又先后发行了《The Bends》（屈服）和《Ok Computer》（ok计算机）——如果说前者是一种过渡或者缩回的手臂的话，后者则是高潮或击来的重拳，这张1997年的专辑以及近乎完美的音乐带来了90年代以来最好的折衷艺术摇滚乐专辑，它有统一的气氛，完整的概念和让人叹为观止的巧妙情节。

8、Zombie：The Cranberries 1993   下载

歌曲评析：爱尔兰是The Cranberries的祖国，这个成年累月地承受屈辱、承受压迫、承受战争的欧洲小国却从来没有弯曲自己民族的脊梁，当然也没有放弃过对和平的向往和对战争的憎恶。众多来自爱尔兰的艺术家、乐队永远不会割舍的话题正是这个。The Cranberries的这首"僵尸"正是适例。
　　这是五分钟泄洪山崩般的音乐，一切元素都在这种浑厚、果敢的气势包裹中，掀翻你我的听觉、审美与心情。
　　歌曲开始闷雷般的和弦可以看作是小至爱尔、大至整个人类不尽战争历史，而Dolores干冽却不屈的嗓音则是我们的良心，我们对和平与爱的辉映，这种正义严肃的歌声迅速瓦解了背景嚣张的吉他，甚至，随着音乐气氛的深入，Dolores的歌声成为当仁不让的主角。
　　我们应该注意到这首歌音乐结构上的匠心独具，在丝毫没有混乱、唐突的感觉中一层层不断加强，并进入激化的极点，似乎每一件乐器、歌者的喉咙，我们的灵魂都被之点燃。最应该让我们竖起拇指的是Dolores的嗓音控制，那似乎是一种与人的肉体业已丧失联系的乐器，它受控的不是明处的肌肉，而是暗处的灵魂。
　　所以那么多歌手，包括中国的王菲、苏慧伦、希莉娜依，无论怎样学习/模仿/拷贝/Dolores的吐气/发音/张嘴，也永远是画虎画皮难画骨的徒劳无益。

乐队介绍：The Cranberries来自爱尔兰西南角的Limerick，最初是一支由吉他手Noel Hogan、贝司手Mike Hogan、鼓手Fergal Lawler和歌手Niall组成的当地乐队，早期名为Cranberries Saw Us。
　　 1990年平庸的主唱离开乐队之后，有声乐基础的Dolores O'Riordan毛遂自荐为乐队新主唱，并当仁不让地成为乐队的新核心之一，与Noel共同成为主要创作力量。
　　乐队迅速确立风格，那是一种非常多样性的——硬摇滚、轻盈的新浪潮流行乐与爱尔兰根源民谣旋律的融合。他们的队名缩短为现在的The Cranberries。1992年乐队推出了首张专辑《Everybody Else Is Doing It，So Why Can't We?》，这张专辑成为英国排行榜的头名之作，迅速风靡欧美。
　　 1994年第二张专辑《No Need To Argue》问世，歌曲"Zombie"气势磅礴地占据了热门曲目的位置。

9、Under The Bridge：Red Hot Chili Peppers 1990   下载 

　　 歌曲评析：一般来说，一支平时狂妄、激烈、混乱的乐队在表达一种真正极端的低调心境时反而能变得非常冷静，并赋音乐予一种与世无争的灰暗气氛，一种舒缓到凄美的旋律感。而这首"立交桥下"正式一首绝望的赞歌，它讲述着一个绝对孤独、放弃自我的都市底层青年的心声。
　　纠结又相互忍让的吉他与贝司弦声拉开歌曲的帷幕，就像在讲述别人的事，主唱Kiedis以彻底平静的声调唱出自己的处境——没有朋友、没有希望、没有爱情，只有水泥、立交桥、二手车和针管。音乐在缓和的、甚至是恍然不知的推进里升响高潮，痉挛着女声合唱——那竟然像是赞美诗般的腔调反而更加衬托出那漆黑的现代都市生活。
　　洛山矶在美国流行音乐疆界是一个富于争议性的所在，呼唤乌托邦的嬉皮运动曾在这里如火如荼，而洛山矶朋克又对这种虚幻的平民妄想作出一定的继承，它批判、抗争，同时又非常在意平民的团结，不时呼唤一下形而上的理想主义。
　　这样，我们就会明白一个可以唱出如"立交桥下"这么悲凉凄苦的歌的乐队仍可以坚忍存在下去，为理想呼号的原因了。

　　 乐队介绍：始终没有离开过洛山矶的红热辣椒乐队由主唱Kiedis、贝司手Balzah、吉他手Solvak和鼓手Smith组成，作为80年代初期以来刚正不阿的地下乐队的代表——虽然他们现在已经功成名就、腰缠万贯——而一直坚守着自己特立独行的音乐准则和态度。
　　这四个生活在最底层的小子早年过着流浪、酗酒、吸毒的生活，但一直没有放弃过对音乐的热爱与对生活的执着。
　　 1984年他们发行的首张同名专辑虽然没能引起大范围的注意，但其说唱、以贝司为主线、朋克味道浓郁的音乐风格已经确立。一直到1991年他们第五张专辑《Blood Suger Sex Magic》（血糖性魔术）时，他们才开始为乐迷所喜爱，而更多的原因，是一首歌的风靡，就是这里推荐的"立交桥下"。


10、Crush：Garbage 1995  下载

　　 歌曲评析：垃圾乐队做着最时尚、最受欢迎的音乐，为何却有这样一个神厌鬼憎的名字，对此乐队的解释是比较深刻的，就像自嘲是最高级的嘲弄一样——他们认为流行文化多少就是一种可以用后舍弃的东西，垃圾是所有流行文化的最终归宿。从而乐队是非常低调的，他们的歌词是最佳范本：那里充斥着对人生苦痛赤裸裸的描绘，对社会阴暗面阴毒的攻击，对人性变质毫不留情的剖析......无论乐队的唱片有如何惊人的销量，相信他们的艺术良心还是跳动着，而人不是麻木的唱片商业齿轮。
　　这首歌是垃圾乐队为电影《罗密欧与朱利叶》做的一首歌，它多少有点一反乐队的风范，它歌颂的是那种应该已经被唱烂的海枯石烂的爱情，但在这样的音符、这样的唱腔、这样的歌词的烘托下，这爱情却真的让我的心脏颤动起来......
　　 "我将为你而死，我会用死亡去感受你在身边、去得知你属于我......"
　　性感的呻吟与铸铁般的节奏摇摆出这生死间的感情，Shirley冷酷得近乎没有人性得嗓音却唱出这最最人性的语言，节奏像钟摆般麻木......最聪明的、提示爱情之伟大真实的方式就是将之放到一种绝对冷酷萧杀的场景中，并夸张这种矛盾，在罗密欧与朱利叶这场千古爱情悲剧最好的背景下，我听到了凄惨却美好的爱情。

         乐队介绍：垃圾乐队的风头人物、娇媚入骨却又反叛不羁的主唱Shirley实际上并非乐队的主流——主脑是其他三个人，而这三个人又全部大有来头：鼓手Butch Vig是皇牌制作人，曾经制作过涅槃乐队、打碎南瓜乐队、U2乐队的著名唱片；贝司手Duke Erilkson是地下独立音乐的老牌人物，参加过无数乐队；而吉他手Steve Maker则是摇滚界大名鼎鼎的Smart录音室的创始人，他音响效果师的身份为乐队音色添色不少；而Shirley以前的角色不过是一支前苏格兰非主流乐队的主音歌手罢了。
　　所以当乐队在95年成立时，媒体大众对这支噱头甚多的乐队抱有很大怀疑，特别是对Shirley——认为她不过是一个做装饰的花瓶。而其首张同名专辑推出直至去年第二张大碟《Version2.0》的发行乐队如日中天，成为当之无愧的低调流行乐领袖的同时，人们才渐渐发现Shirley才是乐队真正的灵魂人物。
　　乐队的风格绝对现代，折衷气味浓郁却绝无晦涩之嫌，你可以找到白色噪音、硬核、新浪潮与电子碎拍等等最时髦的音乐元素，从而垃圾乐队亦成为最时髦、最都市化的音乐征徽；而Shirley更是众多都市青年的偶像。

        十年前，乐坛被英伦摇滚风暴所席卷，整个世界阳光明媚、清新向上。时至今日，在这个被各种复杂和精密的电子仪器笼罩耳朵的年代，过往的英伦摇滚依旧代表着我们最美好的心境和最充实欢乐的岁月。这些可爱的音乐人，他们没有高深的音乐理论，没有抽象的实验思维，但他们带给我们的，是最直接的冲击和最真实的温暖。十年后的今天，让我们一起回顾那美妙的英伦岁月。

“前”英伦时代

　　Britpop（英伦摇滚）对世界的第一次冲击是60年代初The Beatles（披头士）登陆美国时，那时全世界青少年都为这四个蘑菇头的青年疯狂。经过百花齐放、精彩异常的70年代和沉闷的80年代，Britpop于90年代再次大放光芒。由一众曼彻斯特乐队引领的音乐运动为第二次英伦摇滚的全盛打下了扎实的伏笔，它不但为后来的英伦摇滚奠定了群众基础，同时也确定了演奏模式。


The Smiths 灰色绅士

　　英国流行乐史上最重要的乐队之一，在20世纪末的一次民意调查中超过The Beatles而位居榜首。他们的出现，带动了后朋克和新浪潮运动，更重要的是他们确定了往后20年英国吉他乐队的基本模式和歌曲构架，深刻影响了后来Britpop音乐的发展。

　　The Smiths（史密斯）成立于1982年的曼彻斯特，主唱Morrissey（莫里西）具有独特的知识分子批判性思维和大胆开放的同性恋单身作风，而吉他手Johnny Marr（强尼马尔）卓越的吉他演奏也可排在各大吉他手排行榜的前列，以此二人为主导，The Smiths一出道便备受关注，成为年轻人的文化偶像。

　　1984年The Smiths发表了首张专辑《The Smiths》，立刻得到了本地乐迷的狂热追随。Johnny将Morrissey王尔德式极妙的文学性的歌词配上了无与伦比的清新曲子，再用复杂精巧的分解和弦来诠释它。随着唱片中的《This Charming Man（这销魂的男人）》和《Hand In Glove（手套里的手）》等经典名曲被乐迷传唱，主唱Morrissey的打扮和行为也开始被广泛模仿。1985年乐队以素食主义精神为题的《Meat Is Murder（肉食即谋杀）》出版，专辑中又出现了《How Soon Is It Now（现在已过了多久）》等热门歌曲，乐队的追随者大大增多，The Smiths开始变成一种文化现象。

　　乐队的音乐顶峰是1986年出版的《The Queen Is Dead（女皇已死）》，唱片直接指涉“铁女”撒切尔夫人，内容犀利，现实批判意义极强，悲观中又透露出Morrissey独有的幽默感。唱片中《Bigmouth Strikes Again（大嘴再侵袭）》、《There Is A Light That Never Goes Out（一束不灭的光）》都成为划时代的里程碑。随后的1987年，乐队发行了最后一张专辑《Strangeways，Here We Come（奇特的路，我们来了）》，随后宣告解散。吉他手Johnny在离开The Smiths之后，先后组成Electronic（电子）和Johnny Marr & The Healers（强尼马尔和医疗者），成绩均不理想。主唱Morrissey个人发展很顺利，2004年发表的《You’re The Quarry（你就是猎物）》好评如潮，继续着他辉煌的事业。
一支只发行过四张录音室专辑的乐队却名留乐史之首，The Smiths的伟大可见一斑。


The Stone Roses 玫瑰顽石

　　80年代末，是英伦摇滚风暴彻底爆发前最后的平静，曼彻斯特乐队The Stone Roses（石玫瑰）的出现打破了沉默，他们傲慢嚣张的态度和跳脱的音乐一起成为了英伦乐坛新一轮的领军人。乐队由主唱Ian Brown（伊安布朗）和吉他手John Squire（约翰斯奎尔）领导。声如其人，Ian的嗓音异常懒散，富有平民魅力，John的吉他火辣热烈，水准一流，层次感极强。看似不起眼的贝斯和鼓勾勒出的动感节奏无意中刺激了跳舞文化的发展，带动了808 States（808州）和Happy Mondays（快乐星期一）等乐队的流行。

　　1989年，乐队发行了首张同名专辑《The Stone Roses》，立时掀起一阵波澜。唱片流露出英国老牌民谣摇滚乐队The Byrds（飞鸟）的影响，同时还显露了一丝当时流行的Acid House舞曲冲击的端倪，清新、迷幻、狂放被揉为一团，以吉他音乐的形式爆发出来。唱片中有短至59秒的《Elizabeth My Dear（我亲爱的伊丽沙白）》，还有还长达近10分钟的《Fools Gold》，更不乏已成名曲的《She Bangs The Drums（她敲鼓了）》、《Elephant Stone（象石）》和《Waterfall（瀑布）》，专辑的销量非常大，直到现在还仍有再版。

　　由于成员的懒散和一些官司的缘故，乐队直到1994年才推出了第二张专辑《The Second Coming（再次归来）》，唱片明显更偏向硬摇滚的路线，虽然水准仍旧不俗，但是没能获得乐迷同样的喜爱。随着Ian和John的矛盾越来激化，乐队在仅出版了两张唱片后便宣告解散。

　　解散后Ian Brown做个人发展，出版了五张专辑，继续发扬她慵懒嚣张的精神，其中尤以2000年的《Golden Greats（黄金金曲）》和2001年的《Music of The Spheres（球状音乐）》最佳。John Squire另组The Seahorses（海马）乐队，1997年出版了张专辑《Do It Yourself（自己动手）》，反响甚佳，其后John解散乐队又加入明星阵容的The Shining（闪灵）。其间John还出版过两张个人作品《Time Changes Everything（时过境迁）》和《Marshall’s House（马绍尔的房子）》，评价均不俗。

“黄金”英伦时代

　　进入90年代，英伦的优秀乐队如雨后春笋般一一浮现，在93年到97年的五年之间，每一年都有多张足以名留乐史的唱片出现，一时间“Britpop”成了全世界最流行的名词。

Suede 暗夜天鹅

　　为英伦摇滚风暴启蒙的是The Stone Roses，但真正揭开序幕的是Suede（山羊皮），乐队1993年的同名专辑《Suede》被看作是九十年代英伦摇滚风暴的开始。乐队主唱Brett Anderson（布莱特安德森）中性的外表和唱腔加上作曲天才Bernard Butler（伯纳德巴特勒）独特的编曲和一手妖媚流畅的华彩吉他勾勒出《Suede》的阴郁颓靡色彩，令乐队一时间红得发紫。

　　乐队1994年发行的《Dog Man Star（狗人星）》是他们的音乐顶峰，精神上保持了《Suede》延续下来的低调颓废本色，又在编曲上采取了多种不同方式，并且运用了管弦乐团。开头的《Introducing The Band（介绍乐队）》就开宗明义地点出这是一张概念性专辑，而后情绪在《We Are The Pigs（我们是猪）》、《Wild Ones（野东西）》等曲中大起大落，最后在奄奄一息中结尾，令人无限惆怅。唱片灌录期间Bernard因意见不和离开乐队作个人发展，这张唱片成了Suede辉煌时期的绝唱。

　　Bernard离开后，Brett找来一位年仅17岁的吉他手顶替他的位置，并且添加了一位键盘手。1997年乐队发行《Coming Up（呼之欲出）》，一扫之前阴郁暧昧本色，换上清爽阳光的姿态，大唱流行歌曲。这一举动使乐队失去了部分原来的乐迷，但吸引了更多流行乐迷的目光，唱片大获成功。1999年Suede响应时代精神制作了一张电气流行乐专辑《Head Music（头之乐）》，评价好坏参半。2002年乐队的最后一张唱片《A New Morning（新黎明）》则完全表明了乐队创作力的衰竭，Brett宣布乐队停止活动。

　　2005年，Bernard和Brett冰释前嫌，两人组成乐队The Tears（泪）并发行专辑《Here Come The Tears（泪来了）》。虽然有了Bernard，但是乐队没有回到早期两张唱片的风格，而是更贴近《Coming Up》，仅仅是编曲回复了往年的繁复而已，除了铁杆乐迷，认谁都会对这次复合失望不已。


Blur 模糊领域

　　Blur（模糊）是九十年代最受欢迎的Britpop乐队之一，它继承了The Smiths等乐队的英伦音乐传统，并且做出了嫁接和变种。

　　乐队于1991年推出首张专辑《Leisure（空闲）》，被认为是青少年偶像明星，于是他们于翌年拿出了和狂噪的朋克乐单曲《Popsence（流行领域）》以刻意表明自己态度。1993年乐队经过颇多波折后出版了专辑《Modern Life Is Rubbish（摩登生活是垃圾）》，评价及销量均不俗。
1994年乐队终于拿出了最佳作品《Parklife（公园生活）》，不但销量达到三百万张，更是将吉他流行音乐强化为当时的大主流，使得Pulp（果肉）、Oasis（绿洲）等乐队受惠不浅。但很快乐队就和Oasis结下不解之怨，整日在媒体上互骂。1995年Blur和Oasis的唱片战中，Blur以《Country House（农屋）》赢了单曲战，但是专辑《The Great Escape（大逃亡）》却被Oasis轻易击败。随着Oasis的如日中天，Blur渐渐被本土所忽略，这使得Blur不得不寻找其他市场。

　　1997年的同名专辑《Blur》是乐队转而全力攻占美国市场的作品，唱片中的《Beetlebum（甲壳屁股）》和《Song2（歌曲2号）》都有着明显的美式Indie-Rock痕迹。唱片在美国大受欢迎之余又回到本土热销。1999年乐队发行《13》专辑，将美英口味更完美地调和起来，专辑中的《Tender（温柔）》和《Coffee & TV（咖啡和电视）》被各国乐迷传唱。其后吉他手Graham Coxon（格拉翰姆考克森）因为音乐理念分歧离队，专注发展个人事业。虽然没有了吉他手，但是他们请来的强劲外援Fatboy Slim（流线胖小子）为他们增色不少，乐队2003年的唱片《Think Tank》再次向前走了一大步。乐队已经彻底偏离了以前的轨道，整张唱片的浓重实验气息扑面而来。

　　乐队的灵魂人物Damon Albarn（达蒙奥尔本）除了和其他音乐人频繁合作外还加入了虚拟乐队Gorillaz（猩猩）担任演唱者，大受欢迎。离队的Graham从1998年迄今已经出版了5张专辑，以2004年的《Happiness In Magazines（杂志中的幸福）》水准最高。


Oasis英雄本色

　　Oasis（绿洲）是英伦草根阶级的代表，和乐队本身的粗鲁、爱惹是生非一样，他们的音乐和大多数英国乐队给人留下的阴柔颓废不同，充满了平民气和慷慨的男子气概。乐队由两兄弟Noel Gallagher（诺埃尔加拉赫）和Liam Gallagher（利亚姆加拉赫）领军，两人都是口无遮拦狂妄自大的足球流氓，对The Beatles等乐队的喜爱令他们对组乐队如痴如狂。Noel写出的曲完完全全是传统套路，粗犷悦耳，Liam醉汉般的嗓音就像被砂纸打磨过，但正是这种不修饰的、充满阳光的声音使得乐队大受欢迎。

　　1994年乐队发行首张专辑《Definitely Maybe（绝对疑虑）》，唱片收录了大热单曲《Supersonic（超声波）》和《Live Forever（永生）》，立刻获得巨大反响，好评如潮，同时也开始了Oasis和Blur的媒体口水仗。1995年Oasis发行的《Roll With It（与其翻滚）》被Blur的《Country House（农屋）》击败，队员怒不可遏，大骂Blur的音乐是垃圾，Noel更宣称如果见到Damon Albarn要将他打死，一时成为各报头条。其后乐队卯足劲推出了专辑《（What’s The Story）Morning Glory？（（这是什么故事）晨间荣耀？）》，销量之大将Blur远远抛在后面，成为英国史上销售最快的唱片第二名。唱片以《Hello（你好）》开始，随着《Wonderwall（奇迹之墙）》、《Don’t Look Back In Anger（不要回头怒视）》、《Some Might Say（有人也许会说）》等朗朗上口的粗犷单曲，燃烧听众的血液。

　　形式单一没有突破的音乐长期中必受冷遇，乐队1997年的《Be Here Now（现在集合）》、2000年的《Standing On The Shoulder of Giants（站在巨人肩上）》和2002年的《Heathen Chemistry（叛逆化学）》都不再被人重视，人们已经听烦了这种直来直去的简单歌，开始追寻新鲜的刺激。乐队毅然伙拍电子音乐红团Death In Vegas（死于维加斯）推出专辑《Don’t Believe The Truth（不相信事实）》，媒体和听众的评价非常不错。


Radiohead 英国病人

　　由Thom Yorke（汤姆约克）领军的Radiohead（收音机头）是英伦摇滚圈里最激进的一支乐队，他们的风格大大超越了一般吉他流行乐的范围。

　　1993年，Radiohead集结了Britpop清新和Grunge暴戾的单曲《Creep（爬虫）》在全球大红大紫，同年发行的专辑《Pablo Honey（帕布罗蜜）》也被乐迷争先抢购。1995年出版的《The Bends（弯曲）》水准之高让同年任何同型乐队都无法超越。这张唱片里不但有标准的英式流行曲和Grunge的影响，还有《Planet Telex（行星电报）》和《Bones（骨头）》这样无法定性的实验流行作品。

　　1997年发行的《OK Computer（好的计算机）》是整个九十年代最重要的唱片之一，唱片的主题悲观隐晦，曲风怪异。有长达七分多钟的前卫摇滚乐章《Paranoid Android（机器人妄想狂）》，有电子实验乐段《Fitter Happier（更适合更快乐）》，还有极富深度的英式摇滚《No Surprises（没有惊喜）》、《Karma Police（命运警察）》，天马行空的词、凄美婉转的曲，加上Pink Floyd（平克弗罗伊德）式的古灵精怪配乐实验，唱片的水平一时间无人能及。1997年各音乐杂志的年终总评里，《OK Computer》都名列前茅，在Britpop已经进入死胡同的年头里，Radiohead以其叛逆和探索的精神为英伦摇滚开拓出了一条新路。

　　叛逆是Radiohead的本性， 2000年乐队推出了完全脱离Britpop轨道、走上实验电子流行音乐路的《Kid A（孩子A号）》，次年推出更为艰涩的《Amnesiac（失忆）》，乐迷和评论界对其批评不断，直到2003年反对布什政府的《Hail To The Thief（招呼窃贼）》，乐队渐渐走回吉他音乐路线，才再次被乐迷推崇。


The Verve 北方神韵

　　The Verve是一支颇为注重氛围的吉他摇滚乐队，早期的Shoegaze迷幻噪音情怀让他们获得了新Led Zeppelin（齐柏林飞艇）的美名，而后期则更注重深邃和自省。乐队汇聚了Richard Ashcroft（理查德阿什克劳夫特）和Nick McCabe（尼克麦凯波）两位天才，二人的火花燃点起这支乐队辉煌的火焰，同时也造成了它两散一合的曲折经历。1993年第一张专辑《A Storm In Heaven（天堂风暴）》迅猛的吉他噪音音浪，迷离尖利的人声，仿佛将人们带回了20年前Led Zeppelin的硬摇滚迷幻光景里。

　　1995年乐队推出最佳专辑《A Northern Soul（北方灵魂）》，减低了首张唱片中的暴躁成分，旋律更加柔和，情绪更加内向化。开头曲《New Decade（新年代）》和《This Is Music（这是音乐）》中低回的贝斯引导出张扬的失真吉他，随后的《On Your Own（你自己）》做了一个突然的转折，而后又再热情似火，后段的《History（历史）》再次将人揪入自赏的领域，一波三折，酣畅淋漓。这张唱片比起其余两张更能代表完美时代的Britpop，将阴阳两面糅合的完美无缺。唱片推出后不久，由于Richard和Nick的不和，乐队解散。

　　1997年乐队宣布复合，推出了另一张经典专辑《Urban Hymns（城市赞美诗）》，专辑以原声吉他和凄美旋律为主导，大大减弱了之前的迷幻态度，变得内敛自省起来。开头由滚石乐队Keith Richards（基斯理查兹）编排的弦乐连复段带出一副城市光景，其后的《Sonnet（十四行诗）》、《The Drugs Don’t Work（药效消失）》和《Lucky Man（幸运的男人）》为全唱片奠定了基调，中间也不乏一些带着旧日痕迹的强劲曲子，如《Catching The Butterfly（抓住蝴蝶）》。唱片大受欢迎之际，由于Richard和Nick意见不合，乐队再次宣告解散，至今未合。

　　2000年Richard发表了首张个人专辑《Alone With Everybody（和所有人一起）》，反响不佳，两年后的《Human Conditions（人类的处境）》也没能成功。除了Richard和Nick之外的剩下三位成员伙拍The Stone Roses的John Squire并招徕了两个新人组成The Shining（闪灵），于2003年发表《True Skies（真实的天空）》，反响普通。The Verve的全员已经进入衰退期，再无法回复当年之勇。

其他重要乐队

　　除了以上大名鼎鼎的乐队，一些名气稍逊的乐队也在Britpop全盛期作出了令人激赏的作品。


Pulp（果肉）：七十年代中期成立，直到1994年赶上Britpop大潮才得以走红。平民化的神经质主唱Javis Cocker（贾维斯考克）笔下的歌词辛辣幽默，反映真实生活，被大众所喜爱。

　　重要专辑：《His N’Hers（他的和她的）》、《Different Class（不同阶级）》、《This Is Hardcore（这是硬核）》。


The Charlatans UK（英国江湖骗子）：继承了曼彻斯特跳舞音乐的情怀，将舞曲和英伦吉他音乐融合，在The Stone Roses和Happy Mondays的基础上进一步发挥，创造了新的景象。

　　重要专辑：《Tellin’ Stories（讲故事）》。


Mansun（曼森）：New Wave（新浪潮）和Indie Rock融合下的英伦摇滚乐队，甚至还带有Glam（华丽）摇滚的味道，首张唱片便以复杂的编曲和鲜明的特点大获成功，之后的作品再没能达到这个高度。

　　重要专辑：《Attack of The Grey Lantern（灰灯笼来袭）》。


Travis（特拉维斯）：成名在90年代末的Travis是一支承前启后的乐队，以清新传统的英式吉他音乐见长，在那个青黄不接的年头里为乐坛注入清新的活力，现在Travis早已变成Britpop的中坚力量。

　　重要专辑：《The Man Who（那个男人）》、《The Invisible Band（隐形乐队）》。

“后”英伦时代

　　Britpop在90年代末期走入死胡同，渐渐从潮头浪尖上退下，等待它的另一次轮回。在这个辉煌的结尾，依然有一些优秀的乐队坚持做着英伦摇滚乐，成绩优异。

Muse  前摇激情

　　1999年发表第一张唱片《Showbiz（娱乐圈）》时，Muse被媒体称为“Post-Radiohead（后收音机头）”，主唱Matthew Bellamy（马修贝莱米）的嗓音高亢得几乎和Radiohead一模一样，而乐队的曲风也是不甜不腻稍显怪异，Matthew的一手吉他演奏亦犹如Johnny Greenwood（强尼格林伍德）般扎实花俏。2001年他们发行了第二张唱片《Origin of Symmetry（对称的起源）》，好评不断，其后的《Hullabaloo Soundtrack（嘈杂的原声带）》为他们扩大了知名度，但依然没能在世界范围内大红大紫，Muse本身绝好的实力被Radiohead的类比所掩盖了。

　　直到2003年推出关于911事件的专辑《Absolution（赦免）》，唱片对前卫摇滚的吸取远远大于了英伦摇滚，巴洛克式钢琴、前卫摇滚吉他、迅猛的贝斯和鼓以及一波三折的复杂曲式，对传统英伦摇滚的偏离终于使他们获得巨大成功，现在的名望已不逊于Radiohead。


Coldplay  酷玩精神

　　进入21世纪后，老牌英伦摇滚乐队基本都偃旗息鼓，传统英伦摇滚一片荒芜，这时一首叫《Yellow（黄色）》的单曲突然间令整个乐坛振奋起来，清爽的吉他扫弦和慵懒婉转的嗓音将人们带回了英伦摇滚最辉煌的时刻，一夜之间四个名不见经传的中产阶级青年成为全世界的偶像。

　　2000年的出道唱片《Parachutes（降落伞）》赢得满堂红后四人行事依然低调，潜心创作两年推出了万众期待的《A Rush of Blood To The Head（心血来潮）》。唱片相比前作变得更重，歌词也更具现实意义，既叫好又叫座。2005年，暌违三年的Coldplay发表了新作《X&Y》，唱片像是调和了前两张专辑的成分，带有古朴怀旧的气息，动听依旧。


Starsailor  星际迷航

　　Starsailor（星航者）于2001年出版第一张单曲《Fever（发热）》时便被寄予厚望、冠上了“最佳新晋英伦摇滚乐队”称号。乐队的风格和Coldplay及Travis一脉相承，均以原声吉他和美妙旋律见长，只是主唱James Walsh的嗓音相对更为惨烈。

　　乐队2001年发行的第一张专辑《Love Is Here（爱在这儿）》销量很快超过了一百万张，他们成为2001年英国最被追捧的乐队。接着前The Beatles的晚期制作人Phil Spector（菲尔斯派克特）钦点他们，要帮他们制作唱片，更找来了与Radiohead及The Stone Roses合作过的John Leckie（约翰莱齐）协力，联手打造了2004年的《Silence Is Easy（沉静是简单的事）》。虽然唱片的反响没有第一张强烈，但是Starsailor的前景一片光明。


The Coral 迷幻光景

　　继2001年的Starsailor后，2002年最出风头的英伦乐队非The Coral（珊瑚）莫属，乐队的首张同名专辑《The Coral》夹着大量的异国迷幻元素而来，在60年代西海岸迷幻乐队的传统迷幻音色中融入天马行空的奇思怪想，以民谣为主轴，运用吉他、风琴与原音乐器的调性，配上怪异无比的主音和和声，光怪陆离的风格立刻赢来“利物浦的新希望”之称号，并被国内外乐评推为Britpop的新出路。

　　2003年乐队接连推出了《Magic And Medicine（魔法和药）》及《Secret Kiss（秘密的吻）》两张唱片，水准普通，均未达到人们的期望。2004年的《Nightfreak And The Sons of Becker》也没能给人太大惊喜。

　　2005年的新唱片《The Invisible Invasion（无形的侵袭）》终于让人们再次看到乐队光辉的一面，一扫之前两张唱片的平淡，乐队在曲风的尝试上更加复杂，趋向于带有迷幻气息的Indie-Pop。

摇滚乐产生于上世纪50年代，以黑人节奏布鲁斯音乐为基础，加上了摇摆乐和钢琴音乐的成分，突出声音的表现力和持续不断前进的节奏。1952年，由美国著名电台主持人艾伦&#8226;弗雷德发起的音乐会，被冠以摇滚的名义，摇滚乐就此诞生。“摇滚乐之父”比尔&#8226;哈利和“摇滚乐之王”艾尔维斯&#8226;普莱斯利，在摇滚乐早期都做出了卓越的贡献。到了60年代，英国著名的“披头士”The Beatles带着对于美国摇滚乐的理解杀回美国，开辟了摇滚乐蓬勃发展的新天地。事实上，摇滚乐不仅仅是一个音乐流派，它也代表着新文化时代的到来与冲击，它渗透到了人性、生活、社会、政治等各个领域，是一种精神状态，也是一种生存方式。摇滚乐经历了50多年的发展，产生了多种音乐流派，也产生了许多伟大的乐队，今天的《数字飙榜》就精选了欧美十个经典摇滚乐队，用他们的魅力来展示摇滚的力量。今日《数字飙榜》主题：欧美十大摇滚乐队

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第10名：Suede（山羊皮乐队）
上榜理由：英伦摇滚开出的靓丽并颓废的恶之花
经典指数：★★★

 

回顾英国独立乐团的发展与蓬勃，无可否认成立于1989年、以主唱兼灵魂人物Brett Anderson为主的Suede乐队绝对扮演了举足轻重的角色，主唱妖艳而中性化的嗓音和吉他手华丽极致的吉他独奏，都为当时风起云涌的英伦摇滚平添了许多靓丽的色彩。他们身上流露出强烈的自我依恋的美感，在凄美的英式吉它衬托下的音乐中充满了醉生梦死的城市生活、双性恋言论、暧昧主义者行径与永不衰减的雄心壮志。1993年，山羊皮乐队第一张同名专辑《Suede》发布，随即便成为英国历史上销售速度最快的专辑，在媒体和公众中引起了巨大轰动。

乐队的现场演出也掀起了别样的风潮，大胆而神秘、鬼魅而性感、狂妄而宣泄的演出风格散发出了蛊惑人心的魅力，简单刺激地冲击着矫揉造作的低调。可是强烈的企图心、多变的风格及令人难以抗拒的魅力，就像所有的伟大事物一样，美得让人屏息，却又如昙花一现般地短暂。在山羊皮乐队代表作《Dog Man Star》发行前，吉它手 Bernard Butler因为创作理念的差异离开了乐队，也标志着一段辉煌的完结。随着Coldplay等一批新兴乐队的崛起，Suede也失去了英伦霸主的地位，乐队于2003年宣布解散，一个光鲜靓丽的神话也就此结束了。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第9名：Bon Jovi（邦&#8226;乔维乐队）
上榜理由：它成功地把女性带进了硬摇滚的世界，女性的字典里从此有了野性
经典指数：★★★

 

摇滚乐商业化是其发展必须要经历的过程，而在这一历程当中，美国的邦&#8226;乔维乐队集偶像与摇滚为一身，创造了极大的商业价值。习惯流行音乐的歌迷会说他们只会制造噪音，而金属乐迷则说他们是奶油小生的假摇滚。但是不管有多少批评的声音，都不妨碍他们成为最好的流行金属乐队。

邦&#8226;乔维乐队1983年成立于美国新泽西，1984年第一张同名专辑《Bon Jovi》的发行带来了巨大的轰动，成为了美国音乐界的新传奇，时髦的外形和音乐一样符合大众的口味，紧身皮裤加绚丽头巾、撕裂的衬衫和超大的装饰品、吹喷的长发和纹眉眼线，再加上主唱Jon Bon Jovi封面模特般的长相，以及流行硬摇滚的风格，在当时立即开拓出女性观众的新版图，并带动了硬摇滚与流行乐的大融合，使更多的歌迷尤其是女性歌迷开始喜欢上了摇滚乐。与此同时，邦&#8226;乔维乐队专辑的大卖也使他们的商业价值日益飙升，同时乐队在商业演出中也获得了巨大的利润，每年3000万美元的收入也使他们成为了最赚钱的摇滚乐队之一。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第8名：Metallica〔金属乐队〕
上榜理由：它的魅力可以融化重金属，从而流动成一条摇滚的银河
经典指数：★★★半

 

二十世纪八十年代后期，欧美摇滚乐坛重金属音乐处于鼎盛时期，而此时出现的Thrash Metal（激流金属）象一股洪流一样冲击着乐坛，这种流派的创始者就是Metallica乐队。复杂的编曲和大量华丽的吉他独奏扩展了传统鞭笞金属的含义，再加上主唱James Hetfield那极富冲击力的演唱，使Metallica长期处于重金属的统治地位。金属乐队1981年成立于美国的洛杉矶，1983年推出第一张真正意义上的Thrash Metal专辑《Kill ’Em All》，1986年代表作《Master Of Puppets》获得高度好评，同时也把Metallica推上了重金属的顶峰，成为最收欢迎的重金属乐队。

1988年推出的《And Justice For All》获得了前所未有的成绩，这是重金属音乐历史上最出色的专辑，其中单曲《One》荣获当年葛莱美最佳重金属歌曲奖。Metallica的成功很大程度上源于他们卓越超群的演奏技巧，高速的吉它和弦、飞快的吉它独奏、变化多端的鼓点，整齐而有力地带来了巨大的冲击力。在音乐风潮变幻纷繁的欧美摇滚乐坛，Metallica一直不曾随波逐流，始终坚持自己纯正的重金属音乐风格，同时他们不断创新和丰富着音乐的元素，1999年和旧金山交响乐团合作推出了现场专辑《S&M》，古典音乐的优美结合了重金属音乐的穿透力，表现出乐队超一流的技术，同时也更好地诠释了重金属音乐源自古典的道理。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第7名：Guns N’ Roses（枪炮与玫瑰乐队）
上榜理由：音乐与现实生活的沟壑，埋葬了玫瑰的芬芳
经典指数：★★★半

 

Guns N’ Roses诞生于1985年的好莱坞，他们的快歌令人热血沸腾，他们的柔情也照样感动万千。所发表的五张专辑和一张现场演唱专辑，张张都是好评如潮的重量级作品，最具影响力的曲目《DON'T CRY》在billboard排行榜上停留将近3年，创造了摇滚乐的神话。但是音乐上的巨大成就却无法掩盖他们生活中的种种劣行，吸毒、酗酒、粗口和暴力伤害，不但使自己麻烦不断，也令众多乐迷无法理解，同时对于摇滚的面貌也给予了近乎毁灭性的打击。所有关于摇滚乐的爆炸力、原创性、致命性、边缘性和争议性样样具备，使他们成为美国摇滚乐史上最受争议的乐队之一。

在经历了辉煌和沉寂之后，1996年，超级吉他手Slash离开了乐队，1997年乐队宣布解散。Guns N’ Roses也可以认为是美国一段时期的写照，反恐、战争和霸权的政治主题使反抗、愤怒和理智成为了社会主题，枪炮代表了政治霸权，玫瑰则寄托了文化冲击。浓厚朋克色彩的金属乐风夹杂着暴力与性感的迷幻和自我陶醉的奢侈，让无数人为之疯狂，但放荡不羁的叛逆对于传统道德底线的冲击却也近乎残酷地进行着毁灭。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第6名：Nirvana（涅磐乐队）
上榜理由：用音乐诠释了对涅磐的崇敬，用行动表达了对涅磐的追寻
经典指数：★★★★

 

世界上没有几个歌者能像Kurt Cobain那样在死后得到众多乐迷“摇滚之神”般的供奉。上世纪90年代，美国失业危机重新抬头,朋克乐在音乐界再度爆炸，西雅图的Grunge音乐风暴引起了强烈的反响与轰动。

Grunge，在英语中的原意是“肮脏、邋遢”，这是对上世纪80年代末出现在西雅图的地下摇滚音乐风格的定义。这些乐队在舞台上用邋遢的衣服、凌乱的长发示人，音乐中融入金属音乐的力量和结构，又有朋克音乐的简单和直接。而在这些乐队中间，Kurt Cobain于1986年组建的Nirvana堪称Grunge的领军人物。

1991年9月，乐队专辑《Never mind》发行，1992年1月便成为美国销量第一的唱片，全球的销量超过1000万张，Nirvana走向成功，同时也开始了一场心灵毁灭的悲剧：1994年4月5日，在中国祭拜亡灵的传统节日，Kurt Cobain在自己的住所用猎枪结束了生命。在Nirvana作品中，扭曲的吉他，沙哑的歌喉，猛然间爆发出Kurt Cobain 内心的狂燥、愤怒、压抑、扭曲的矛盾冲突，同时也反映了他的温柔、感性、脆弱和恐惧，与外部世界的格格不入，这一切都为他生命的悲剧奠定了伏笔。Kurt Cobain用行动实践了他的音乐理想，如同凤凰一样涅磐重生，留给亿万乐迷无尽的怀念和心痛。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第5名：R.E.M乐队（快转眼球乐队）
上榜理由：原来摇滚也可以保持宁静、优雅的风度
经典指数：★★★★

 

R.E.M乐队的名字是Rapid Eye Movement（快速转动眼球），于1980年组建，乐队用英式朋克音乐的嘲讽态度从新浪潮的音乐层面上出发，重新定义了美国摇滚乐中另类的定义，从某种意义上讲，他们是美国另类摇滚乐之父。作为一支真正起家于地下的乐队，他们在建团初期就开着大篷车周游美国大陆，将自己的音乐理想和精神传播于乡村、学校和酒馆。

R.E.M代表着地下音乐的最高水平，听似舒缓的旋律表现着深沉的摇滚内涵，噪重的吉他噪音却变得慵懒了起来，暴躁的鼓鸣也优雅了许多，本应嘶喉的嗓音却也如细腻的丝绸一般哀婉深沉。他们的音乐态度一直是阴暗低调的，总是从非常人性的角度来解释一些深刻的人生哲学，而不似流行音乐简单的享乐主义。

他们的音乐拥有着梦一般的气质：飘逸、放浪、又隐含着些许甜蜜的忧伤。形式上的大胆突破，跳动的吉他弹奏、坚实的贝司线条，以及主唱魅力四射的吟唱，交织出一首首似梦似真又直击心灵的旋律。这种特立独行的气质使R.E.M在上世纪80年代吹响了非主流音乐的号角，也深深地影响了后辈，几乎每个另类摇滚乐队身上都有他们的影子。R.E.M乐队也总是竭尽全力地维持着地下音乐的状态，展现在乐迷面前的是一种摇滚乐内在的力量，一种纯粹而神秘的境界。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第4名：Queen（皇后乐队）
上榜理由：它让摇滚穿上了华丽的衣裳招摇过市
经典指数：★★★★

 

没有一个摇滚乐迷敢于承认自己不知道或不喜欢Queen乐队，因为Queen乐队对于欧美摇滚乐发展做出了里程碑式的贡献。1972年，Queen乐队在英国成立，世界上最成功的艺术摇滚乐队诞生了。

他们把古典音乐、歌剧、艺术摇滚、前卫摇滚完美地结合在一起，加上主唱Freddie高亢、性感、华丽的嗓音和绚烂多姿的吉他独奏，使他们的音乐具有古典音乐的磅礴气势而又不失摇滚的硬朗气派。《A Night At The Opera》是Queen乐队最为经典的专辑，这张专辑的制作耗费了巨大的精力，也是摇滚乐史上制作费用最高的一张专辑。其中著名的单曲《Bohemian Rhapsody》成了Queen的招牌曲目，在酷似歌剧唱诗般的华丽配乐中不断加入大段的重金属吉他合奏，这正是Queen的典型风格。而这首名扬四海的单曲9个星期停留在英国排行榜冠军宝座，打破了英国单曲排行榜上冠军停留时间最长的记录。在美国这首歌和整张专辑也获得了巨大的商业成功，成为白金唱片。

Queen乐队掀起的音乐新浪潮使他们获得了前所未有的声誉，独特的音乐艺术风格对于摇滚乐的发展起到了风向标的作用，也深深地影响了后辈的摇滚艺人。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第3名：U2乐队
上榜理由：人类的灵魂囿地在U2摇滚的烘衬下澄静绽放
经典指数：★★★★半

 

毫无疑问，U2是上世纪80年代英国和爱尔兰最伟大的摇滚乐团，整个80年代都被《滚石》杂志称为U2的十年。起源于爱尔兰的U2组合1977年开始了他们的音乐旅程，U2乐队一直致力于反战和自由等事业，专辑《War》是U2对于祖国爱尔兰所发生的宗教与政治风暴的真挚而富于情感的回应。《War》树立了U2在表现政治良知的音乐领域中的先锋领袖地位，也为被世人误为暴躁、发泄、肮脏的摇滚乐正了名。乐队出自于地下乐队的历史，使他们在演出中表现出了惊人的真实感和震撼力，主唱Bono情感炽热的演唱吸引了无数的追随者，也使乐队获得了现场之王的称号。

U2乐队多次获得葛莱美音乐大奖，专辑销量全球近1.5亿张，由于他们热衷于公益事业，主唱Bono被称为全世界最有影响力的音乐人，他积极地参与到公益事业中，呼吁政商界人士关注非洲的贫困问题，以援助的方式消除恐怖主义发生的根源。由于他们的音乐倡导世界和平，主张解救贫困，以及他们所做出的努力与成绩，2003年，主唱Bono获得了诺贝尔和平奖候选人的提名。乐队至今仍然坚持用音乐改变政治的理念，继续着以往的辉煌。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第2名：Rolling Stones（滚石乐队）
上榜理由：摇滚不仅仅是音乐，也是一种生活方式
经典指数：★★★★半

 

提起Rolling Stones乐队，没有人会怀疑他们的伟大。成立于1963年的Rolling Stones与同时代另外一支伟大的乐队The Beatles相比，具有更强的攻击性和叛逆色彩，他们是天生的坏小子，狂放不羁，处处透着锐利狡黠的气息；可以说，他们是后期嬉皮运动中自我中心主义的代表。1968的《Beggars Banquet》和1969年的《Let It Bleed》是Rolling Stones的颠峰之作，也开始了他们与The Beatles分庭抗争的局面。1971年4月，乐队成立了自己的品牌“滚石”唱片公司，也就此开创了整个流行音乐界的里程碑。

Rolling Stones以不拘小节、举止粗鲁而闻名一时，他们在不断获得金唱片奖的同时又不断地爆出各种各样的新闻。人们无何奈何地称他们为集美丑于一身的折衷大师。当然，这种形象也有利于市场争夺的需要。在当时黑人节奏布鲁斯音乐盛行的年代，能有一个如此年轻气盛、狂野不羁的乐队出现在歌迷面前，确实让人眼前一亮。 他们的思想没有更多的理想主义，他们主张简单而直接，他们的音乐更多的是体现当时青年的现实问题，爱情和生活烦恼是音乐的主题。单纯地从现场来看，Rolling Stones是上世纪60年代最为优秀的，因为The Beatles乐队所取得的辉煌大多是在录音棚里完成的。

人们把Rolling Stones看作是朋克音乐和重金属音乐最早的雏形,不少乐队在乐风和台风方面深受他们的影响。40多年的历程，Rolling Stones乐队积累了大量的财富，2003年他们以六亿美元的年收入成为全世界最有钱的乐队。他们至今依然乐此不疲地出唱片、举行巡回演出、出席各种颁奖活动，他们想要证明：他们还活着，而且活得快乐、顽强。

数字飙榜欧美十大摇滚乐队第1名：The Beatles（披头士乐队）
上榜理由：他们用音乐改变了世界，让我们的行走不再孤单
经典指数：★★★★★

 

The Beatles是世界音乐史上的一个奇迹，从来没有一个乐队赢得过如此热烈持久来自世界各地的拥戴，从来没有一个乐队在摇滚乐乃至西方社会打下如此深刻的烙印，以至创造了一个时代。 乐队成立于1960年的利物浦， 1962年，The Beatles的第一张单曲唱片《Love me do》发行后便引起了巨大的反响；1963年，他们在英伦三岛受到了狂热的欢迎，《I want to hold your hand》等歌曲常年上榜。

1964年他们在著名的卡内基音乐厅登台演出，这时候，世界性的The Beatles热潮就此形成了，他们的语言、装束、生活习惯，到处都被狂热地追随和摹仿着。1967年，乐队宣告解散，也标志着一个时代的乐观主义的消亡。1980年，主唱John Lennon在一次不幸的崇拜者枪击事件中去世,留给乐迷无尽的悲痛，全世界的摇滚乐迷都沉浸在对The Beatles往昔的怀念之中。The Beatles的歌曲题材广泛，从爱情到反战、从社会生活到政治斗争，这些都扩展了摇滚乐的表现力，反映了上世纪60年代青年的心声。《Yesterday》、《Let it be》、《All you need is love》等经典歌曲至今都仍然被广为传唱。

他们改变了20世纪的流行文化,把音乐的潜力第一次从意识中挖掘出来，使音乐在当时成为文化、社会、政治和革命力量的载体；他们用音乐领导了一个朝代，成为当时一个时代的象征；他们用音乐改变了一代代人的大脑，抚平了战争留给人们的心里创伤。他们不是音乐的起点，也不是音乐的终点，而是漫长音乐之旅上燃烧着的蜡烛，照亮了整个音乐的旅程。没有了他们，人类的音乐之旅将不再完整。